Los Idus De Marzo (2011)

Título Original: The Ides Of March

La cuarta película como director de George Clooney sonaba como candidata a tener una fuerte presencia en la temporada de premios a mediados del pasado año, pero este rumor se fue esfumando conforme se daban a conocer las diferentes nominaciones de las respectivas asociaciones.

Aun así, el buen guión adaptado de Clooney y compañía sí ha conseguido aparecer en las quinielas y después de haber podido ver la película es cierto que es uno de los mejores del año, dejando de lado la adaptación de la cual no puedo opinar.

La película es un thriller político basado en la campaña de un gobernador del partido demócrata para convertirse en el candidato del partido a la futura presidencia en EEUU. Clooney habla de los bajos fondos de estas campañas, filtraciones, chantajes y diversas jugarretas de las que forman parte desde la última becaria hasta el propio candidato a liderar el partido.

El protagonista de la película, interpretado a la perfección por Ryan Gosling, es un brillante asesor del gobernador Mike Morris (Clooney) que tiene que plantar cara al director de campaña, a la prensa y al propio Norris teniendo que enfrentarse a los principios que le han hecho llegar al puesto que ocupa.

El título de la película hace referencia a los días de Marzo que auguraban buena suerte, durante los cuales en el año 44 a. C. Julio César fue asesinado habiendo sido anteriormente prevenido del peligro que corría, consejo que obvió debido a la fecha de la que se trataba.

Este dramático hecho esclarece las intenciones y la moraleja de la película, una trama bien trazada que mantiene en interesante tensión al espectador durante toda su duración.

Puntuación: 7.5/10
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Persiguiendo A Amy (1997)

Título Original: Chasing Amy

Manteniéndose en la línea de su estilo y reutilizando personajes que le funcionan, Kevin Smith siguió cosechando buenos resultados con Persiguiendo A Amy tras Clerks (1994) y Mallrats (1996), sus dos anteriores títulos convertidos en películas de culto para muchos.

La historia está envuelta por el mundo de los cómics, dónde el escritor Holden (un como siempre soso Ben Affleck) se enamora de otra afamada viñetista (con una voz de lo más desagradable en su versión original) que resulta ser lesbiana. El compañero de Holden, Banky, intentará disuadir el enchochamiento que tiene su amigo haciéndole ver que la chica no le conviene llegando a jugarse la amistad que hay entre los dos.

El film tiene un ritmo aceptable, con mucho diálogo y secundarios de muy buena altura que relajan tensiones sobre la historia principal y nos hacen ver cómo se mueven los tres personajes protagonistas en otros terrenos distintos, lo cual nos hace ampliar nuestro conocimiento sobre ellos y ayuda a entender mejor el transcurso que van tomando las cosas.

Kevin Smith se afianza como director indie creando su propio estilo y ganándose un público que le seguirá en sus próximos trabajos, aunque parece que esta Persiguiendo A Amy fue el punto álgido de su carrera y los fans siguen esperando que vuelva a sus mejores tiempos.

La película resulta original, es recomendable para pasar un rato agradable y tener otro punto de vista del "¿tú de qué coño vas?", ya que hoy en día en el cine esta pregunta se suele resolver con un tiro entre ceja y ceja.

Puntuación: 7/10
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La Invención De Hugo (2011)

Título Original: Hugo

Si te pasas por una librería para comprar La Invención de Hugo Cabret (Brian Selznick) lo primero que piensas al ver el libro es "¡pedazo de tocho para ser una novela infantil!". Pero una vez más las apariencias engañan porque si hojeas un poco su contenido enseguida te das cuenta de que es una historia muy visual donde el texto es un mero acompañamiento.

Martin Scorsese ha tenido muy en cuenta éste hecho y ha dirigido una película que es bella por fuera por la potencia de sus imágenes, pero también es bella por dentro ya que hay una buena trama tras ellas, a pesar de que en algunos momentos flojee en su hilo argumental y los personajes secundarios importen demasiado poco.

Hugo es hijo de un maestro relojero de París del que hereda su amor por el cine, pero un incendio lo deja huérfano y al cargo de su tío, responsable del mantenimiento de los relojes de la estación de tren parisina Gare Montparnasse. Cuando el niño es abandonado por su tutor se encarga de poner a hora los relojes de la estación, robar comida para alimentarse y además piezas mecánicas para acabar un proyecto empezado por su padre: un autómata que escribirá con una pluma. Estos robos y su obsesión por reparar el invento llevarán a Hugo a embarcarse en una aventura con la magia del cine como trasfondo.

Aunque el niño es el total protagonista de la película, como decía antes George Méliès y el nacimiento del séptimo arte forman la base de una notable película recomendable tanto para mayores como para pequeños y sobre todo para toda la gente que disfruta yendo a una sala de cine. Ah, y por lo que he oído unos fantásticos efectos 3D.

P.D.: si os gusta La Invención De Hugo recomiendo Cinema Paradiso (1988) para una posible sesión doble temática.

Puntuación: 8/10
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Shame (2011)

No es de extrañar que Michael Fassbender haya recogido premios y elogios por su papel en esta película, aunque para mi gusto podrían haber sido muchos más. Una nominación al Oscar por ejemplo, pero por todos es conocida la falsa moral americana y posiblemente el carácter sexual de su personaje haya causado demasiados rubores en la Academia.

El actor ha sido uno de los hombres del año con cinco películas estrenadas en 2011 y rindiendo a un gran nivel. En lo que respecta a la película dirigida por Steve McQueen el actor ha realizado su mejor y seguramente más difícil trabajo. Interpretar a un hombre de éxito profesional pero que está sumido en una fuerte obsesión por el sexo no debe haber sido ni fácil ni agradable.

Brandon es un irlandés que vive una doble vida en Nueva York ya que sufre una enfermedad obsesiva que cada vez le perturba más. Sus irrefrenables impulsos sexuales y la llegada de su hermana pequeña a la ciudad provocan en el protagonista cambios fuertes de personalidad que le hacen plantearse seriamente lo que le ocurre en los pocos momentos que su apetencia le deja para pensar.

La película está llena de situaciones incómodas y momentos que te dejan boquiabierto, con un ritmo lento pero firme Steve McQueen no se corta y lo que tiene que enseñar lo enseña siendo cada desnudo casi siempre justificado. Pero ojo, aun estando cada escena justificada no deja de hacernos pensar que estamos viendo una peli porno, aunque el mejor momento de la película trascurra en una mesa de restaurante cuando el sexo sólo está implícito y la incomodidad del personaje ante la rara situación para él es palpable.

¿Y en conclusión? Una película notable recomendada a curiosos y dos nombre a seguir: Steve McQueen y Michael Fassbender.

Puntuación: 7.5/10
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Mi Semana Con Marilyn (2011)

Título Original: My Week With Marilyn

Éste no es el típico biopic pues, como bien indica su título, se trata de una semana y no de un largo período de tiempo o incluso una vida entera. Además de esto, se diferencia de los demás en que aun tratándose de una leyenda esta no es la total protagonista del film.

Podría citar muchas otras diferencias entre Mi Semana Con Marilyn y un biopic al uso pero la mejor es que película te hace total partícipe de lo que está pasando y acabas por sentirte uno más de los personajes, no un mero espectador. Michelle Williams trabaja su papel a la perfección: odias a Marilyn cuando todo el mundo la está odiando y te enamoras de ella cuando nadie puede quitarle la mirada de encima.

Después de ver cómo era su vida durante una semana bastan esos siete días para comprender lo que supuso este icono en todo el Mundo. Deseada por ellos y admirada por ellas, el teléfono de su psiquiatra no paró de sonar durante todo el día siguiente a su muerte debido a las llamadas de las apenadas fans que hubiesen hecho cualquier cosa por ayudar a la actriz.

Marilyn Monroe no fue un personaje contemporáneo para mí. A pesar de ello puedo llegar a entender lo que supuso tal fenómeno gracias a que el film (y por su puesto su actriz) lo refleja a las mil maravillas, entiendes sus miedos, sus carencias, sus deseos y su locura.

Resumiendo, Mi Semana Con Marilyn consigue darnos a conocer el mito sin la necesidad de recorrer la historia de su vida.

Puntuación: 8.5/10
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Oscar 2012

La temporada de premios llega a su fin con la gala de los Oscar de Hollywood que tuvo lugar la pasada noche.

Un gala sin sorpresas en la que triunfó la película francesa The Artist con cinco premios: Mejor Película, Mejor Director, Mejor Actor, Mejor Guión, Mejor Banda Sonora y Mejor Diseño de Vesturio. Se confirma así el gran año de esta producción que ha roto los esquemas del cine actual creando una maravillosa historia de cine mudo en blanco y negro. Gracias a su éxito en estos premios alargará su periodo en taquilla siendo reestrenada en algunas pocas salas más, y digo pocas porque desde su estreno el día 16 de Diciembre se ha mantenido en la programación de muchos cines hasta el día de hoy. Sólo queda esperar que los más comerciales se atrevan con la propuesta.

La otra favorita de la noche, La Invención De Hugo, también recogió cinco galardones aunque por méritos técnicos. La película de Martin Scorsese ganó las estatuillas a la Mejor Edición de Sonido, Mejor Sonido, Mejor Dirección Artística, Mejor Fotografía y Mejores Efectos Visuales.

En las tareas interpretativas los académicos lo tenían claro y coincidieron con otros círculos otorgando sus merecidos Oscar a Jean Dujardin, Meryl Streep (tercer Oscar después de esperar 30 años y 12 nominaciones), Christopher Plummer (a sus 82 años, actor de mayor edad en recoger un premio interpretativo) y Octavia Spencer. Aclamados actores y actrices como Brad Pitt, George Clooney, Viola Davis, Glenn Close o Kenneth Branagh tenían la opción de romper los pronósticos pero tendrán que seguir esperando a recibir su premio.

El guión que Woody Allen escribió para Midnight In Paris también fue reconocido y no dejó a la delegación española con las manos vacías ya que ni Alberto Iglesias ni Chico Y Rita pudieron finalmente subir al escenario a recoger estatuilla. Sí tuvo esa suerte la película iraní Nader Y Simin, Una Separación, actualmente en nuestros cines, que también confirmó un gran año recogiendo el Oscar a la Mejor Película de Habla No Inglesa.

Este 2012 ha sido un gran año en lo que respecta al cine y de nuevo ha habido muchos reconocimientos a las propuestas no americanas en los Oscar gracias a ganadores como The Artist y La Dama De Hierro y también a los nominados Demián Bichir, Gary Oldman, Alberto Iglesias, Max Von Sydow, Fernando Trueba y Javier Mariscal, sin olvidarme de todos los documentales y cortos que siempre tienen presencia en la noche más importante del cine. Este hecho demuestra que también el cine es cada vez más global y que desde cualquier parte del mundo puede llegar calidad a nuestras pantallas. Ahora lo único que necesitamos es que nosotros como público olvidemos nuestros prejuicios y seamos capaces de dar la oportunidad a pequeñas películas que cuentan cosas grandes sin tener en cuenta cuántos ceros hay delante del símbolo del dólar.

 - Mejor Película: The Artist
 - Mejor Director: Michel Hazanavicius por The Artist
 - Mejor Actor: Jean Dujardin por The Artist
 - Mejor Actriz: Meryl Streep por La Dama De Hierro
 - Mejor Actor De Reparto: Christopher Plummer por Beginners
 - Mejor Actriz De Reparto: Octavia Spencer por Criadas Y Señoras
 - Mejor Guión Original: Woody Allen por Midnight In Paris
 - Mejor Guión Adaptado: Alexander Payne, Nat Faxon y Jim Rash por Los Descendientes
 - Mejor Película De Habla No Inglesa: Nader Y Simin, Una Separación
 - Mejor Película De Animación: Rango

Rebeca (1940)

Título Original: Rebecca

¿Qué mejor que un súper clásico ganador del Oscar a la Mejor Película para terminar este ciclo? Los premios hollywoodienses se entregarán el próximo domingo 26 y terminaré el homenaje de este año con los comentarios de los resultados.

En lo que se refiere a Rebecca, es una de las películas de Alfred Hitchcock más laureadas en los Oscar: dos premios (Mejor Película y Mejor Fotografía - Blanco Y Negro) de once nominaciones, además de ser una de las películas de referencia en las escuelas y tratados de cine.

Confieso que yo con Hitchcock sigo teniendo algunos desencuentros, supongo que porque sus películas me llegan setenta años más tarde de lo que deberían, pero no cabe duda que el director supo llevar a la pantalla el suspense como nadie.

Rebeca es el nombre de un personaje que no sale nunca en la película pero que es claramente la protagonista de la trama. ¿Quién mejor que el carismático Hitchcock para encargarse de adaptar esta novela?

Es posible que suene poco lógico el "flojo" 7.5 de mi nota al film pero, como decía antes, Rebeca no ha acabado de llegarme como supongo que debería haberlo hecho. Con estos trabajos intemporales a veces pasa que esperas demasiado del resultado cuando en realidad lo que hay que hacer es verla sin esperanza alguna. Otro punto que me ha costado llevar bien ha sido su excesiva duración, ya que opino que la historia podría desarrollarse con la misma intensidad empleando unos veinte minutos menos.

Aun así no me rindo porque sé que encontraré alguna película del prolífico Hitchcock que me convenza del todo. De todos modos recomiendo ver Rebeca.

Puntuación: 7.5/10
Rebeca en FilmAffinity

Premios Goya 2012

Ayer 19 de Febrero de 2012 se celebró en el Palacio de Congresos de Madrid la 26ª edición de los Premios Goya donde la favorita de la noche, No Habrá Paz Para Los Malvados, cumplió con los pronósticos.

Una de las sorpresas más agradables de la noche fue la vuelta de Silvia Abascal después de haber sufrido un ictus cerebral el año pasado; espero que volvamos a verla pronto tanto en la gran pantalla como en las tablas. En cuanto a los resultados pudimos ver una gala muy igualada y hasta el final la película de Enrique Urbizu no destacó sobre las demás. Después de ganar las tres últimas candidaturas (Mejor Actor, Director y Película) se desmarcó como el film con más premios sumando seis Goya de sus catorce nominaciones.

Blackthorn, Sin Destino recogió cuatro galardones por méritos técnicos y el mismo número se llevó La Piel Que Habito, una cuarta parte de sus opciones, perdiendo entre otros el premio al Mejor Guión Adaptado que ganó Arrugas, también Mejor Película de Animación.

En tareas interpretativas el premio más disputado se lo llevó Jan Cornet como Mejor Actor Revelación y los favoritos en el resto de modalidades no fallaron: Elena Anaya, José Coronado, Ana Wagener, Lluís Homar y María León recogían muy emocionados sus respectivos Goya.

Si comparáis lo que uno quiere con lo que después resulta ser podréis observar cuánto difiere la cosa. Hace aproximadamente un mes confesaba en este mismo blog mis favoritos y después de la gala he podido comprobar un año más cuánto difieren mis gustos de los de los académicos. Es curioso que un film como La Piel Que Habito tenga que hacer un camino paralelo al de la Academia para sonar fuera de nuestro país, conseguir importantes nominaciones y ganar premios, al Bafta me remito. Siempre me he preguntado si se entiende el cine (sobre todo el humor autóctono) de Pedro Almodóvar en el extranjero, pero por lo visto se entiende mejor que aquí. Por algo se dice lo de "Spain is different" ¿no?

¡Ah! No quiero olvidar lo profesional que es Eva Hache que, aunque le den un guión flojito y la canción que abre el espectáculo sea horrorosa, se defiende muy bien en estas situaciones y conduce la gala de una forma muy distendida y simpática.

Para terminar, el resumen de los premios más importantes:

 - Mejor Película: No Habrá Paz Para Los Malvados

 - Mejor Director: Enrique Urbizu por No Habrá Paz Para Los Malvados

 - Mejor Director Novel: Kike Maíllo por Eva

 - Mejor Actriz Protagonista: Elena Anaya por La Piel Que Habito

 - Mejor Actor Protagonista: José Coronado por No Habrá Paz Para Los Malvados

 - Mejor Actriz de Reparto: Ana Wagener por La Voz Dormida

 - Mejor Actor de Reparto: Lluís Homar por Eva

 - Mejor Actriz Revelación: María León por La Voz Dormida

 - Mejor Actor Revelación: Jan Cornet por La Piel Que Habito

 - Mejor Guión Original: No Habrá Paz Para Los Malvados

 - Mejor Guión Adaptado: Arrugas

 - Mejor Película de Animación: Arrugas

Página Web Oficial de los Premios Goya

Kramer Contra Kramer (1979)

Título Original: Kramer Vs. Kramer

Kramer Contra Kramer fue la película triunfadora en los Oscar de 1979 llevándose cinco premios de sus nueve candidaturas: Mejor Película, Mejor Director, Mejor Actor (Dustin Hoffman), Mejor Actriz Secundaria (Meryl Streep) y Mejor Guión Adaptado.

Dustin Hoffman, en una gran actuación y merecidamente reconocida, es un padre de familia que tiene que afrontar la dura situación de encargarse de su hijo, obligación que tenía descuidada, y seguir con su importante carrera cuando su mujer decide acabar la relación.

No estamos ante la típica historia de familia desestructurada donde uno de los miembros del matrimonio remueve cielo y tierra para sacar adelante a su hijo. En este caso hablamos del padre, un hombre que piensa que lo tiene todo, pero que se acaba dando cuenta de mala manera que lo único seguro en su vida era su trabajo. Cuando su mujer abre un juicio para quedarse con la custodia de su hijo el personaje principal tendrá que cambiar su manera de pensar y darse cuenta de qué es lo más importante en su vida, teniendo que defender a capa y espada.

La película suena a culebrón, pero el director convierte esta base dramática en una historia llena de sentido, que engancha y apetece escuchar hasta el final sin caer en el recurso de la lágrima fácil.

¿Vale Kramer contra Kramer sus cinco Oscar? Quizás se estrenó en un buen año.... o malo, según quién lo mire.

Puntuación: 7/10
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Sin Perdón (1992)

Título Original: Unforgiven

Ganadora de cuatro Oscar de la Academia (Mejor Película, Mejor Director, Mejor Actor de Reparto para Hackman y Mejor Montaje), Sin Perdón abrió las puertas de la Academia a Clint Eastwood que nunca había sido nominado antes pero, en esta ocasión, lo estaría por partida doble: como Mejor Actor y Mejor Director, galardón que acabaría ganando.

Eastwood no sólo consiguió esto con su decimosexta película como director, también volvió a poner de moda el género Western que había quedado relegado a ser visto en los mediodías de los domingos en televisión. La película va más allá de las persecuciones a caballo entre indios y vaqueros y ahonda en el dudoso honor de ser forajido.

El protagonista del film es William Munny, un viudo que intenta sacar adelante a sus dos hijos alejándose de lo que fue años atrás, un pistolero borracho que conseguiría ser reconocido en la zona por sus asesinatos sin escrúpulos. Todo cambia cuando un día recibe una jugosa propuesta que le ayudará a mantener a su familia no sin remover el pasado que ya había conseguido superar.

Sin Perdón merece cada uno de los premios recibidos debido a su genial dirección, un argumento que te engancha desde el principio y la creación de un terrible personaje como el sheriff interpretado por Gene Hackman, que abusa de su autoridad y hace temblar a todo el que pasa por su pueblo.

Nunca podría imaginar que una película del oeste rodada en nuestros tiempos fuese tan redonda y cercana al gran público sin desmerecer a los más famosos westerns de toda la historia.

Puntuación: 8.5/10
Sin Perdón en FilmAffinity

La Pícara Puritana (1937)

Título Original: The Awful Truth

¿La Pícara Puritana? ¿Puede haber un título menos atractivo que éste? ¿A quién se le ocurrió la brillante idea de traducir "The Awful Truth" como "La Pícara Puritana"? Me gustaría saber cuánta gente ha dejado de ver esta entretenidísima comedia por su título en España.

Bueno, os puedo asegurar que el título no representa para nada el argumento de la película, por lo menos la parte "puritana", o yo me lo he perdido.

Totalmente recomendable, esta comedia ganadora del Oscar al Mejor Director (recibiría cinco nominaciones más) cuenta cómo transcurren los divertidos sesenta días que faltan para hacer oficial el divorcio de la pareja interpretada por Cary Grant y una fantástica Irene Dunne. La película resulta ser bastante moderna para la época en la que se grabó, tratando temas como el divorcio, salir con otras personas durante ese proceso y todo lo que ello conlleva.

Evidentemente con el paso del tiempo este tipo de películas acaban perdiendo algo de lucidez, pero aun así ya les gustaría a las comedias que podemos ver hoy en día en los cines poder mantener su gracia y buen hacer después de los 75 años que han pasado desde su estreno como en este caso.

Con situaciones tan divertidas que han sido reutilizadas hasta estas fechas, The Awful Truth hace desvanecer los prejuicios que podamos sufrir antes de sentarnos a verla y nos hace pasar un buen rato durante su escasa hora y media de duración.

Puntuación: 7.5/10
La Pícara Puritana en FilmAffinity

Albert Nobbs (2011)

La falta de papeles interesantes para actrices maduras, a excepción de Meryl Streep que no parece tener muchos problemas para encontrarlos, lleva a mujeres de estas características a la producción de películas que les permitan poder trabajar en algo serio que no sea la madre o abuela de la estrella de moda en el blockbuster del año.

Es el caso de Glenn Close, una de las actrices que más lucha y reivindica esa carencia de personajes. La actriz se ha animado a llevar a Albert Nobbs al cine después de haberse metido en su piel en teatro años atrás, de ahí el gran resultado interpretativo de la protagonista.

No me cuesta imaginar esta historia sobre las tablas, ya que casi toda la acción transcurre en un hotel irlandés entre los empleados del mismo. El Albert Nobbs del título es un misterioso hombre que lleva el peso de la servidumbre del establecimiento, pero que oculta su cuerpo de mujer y su sueño tras una apariencia fría y conservadora.

Genial reparto en el film donde vemos cómo los veteranos se reafirman, empezando por la brillante Glenn Close y acabando por Brendan Gleeson, y cómo los jóvenes Mia Wasikowska y Aaron Johnson empiezan a crecer como actores. Este es el punto fuerte de la película que aporta una historia interesante y poco usual, quizás llegando a ocurrir hechos demasiado improbables para la época reflejada, pero he ahí la gracia del cine.

La trama está muy bien esquematizada por el director Rodrigo García y resulta interesante en todo momento ver cómo el muy introvertido Mr. Nobbs empieza a abrise a los demás para conseguir llevar a cabo la ilusión de su vida. El capricho de Glenn Close queda justificado con esta adaptación.

Puntuación: 7.5/10
Albert Nobbs en FilmAffinity