La Gran Belleza (2013)

Título Original: La Grande Bellezza

Paolo Sorrentino vuelve al puro cine italiano tras rodar This Must Be The Place (2011) con actores Hollywood como Sean Penn y Frances McDormand. Y cuenta con el trabajo de Toni Servillo, su actor fetiche, que realmente es lo único que vale la pena de la película.

Bueno, no sólo nos podemos quedar con Servillo, también con Roma. La ciudad es la grande belleza de la que se habla en el título, aunque el director se quiera referir a otros temas, pues sin las preciosas imágenes que se consiguen de la capital italiana estaríamos hablando de un bodrio bastante importante.

Enfrentarse a La Grande Belleza asusta desde un principio, sobre todo cuando te enteras de que tiene una duración de dos horas y media (agradeceréis este spoiler: los últimos 20 minutos son de créditos). Pero si investigas un poco, les alguna crítica y consultas la lista de premios a la que está nominada te entra el gusanillo. Pero, una vez te decides, sientes la tentación de dejar de verla en innumerables momentos del metraje; es muy difícil ser fuerte y aguantar hasta el final.

Sinceramente, no sé en qué estaba pensando Sorrentino. El director decapita las únicas historias interesantes que ocurren en el film, los pocos momentos mejor dicho, dejándolos en meros apuntes para pasar a otra cosa totalmente banal y sin sentido.

Me es muy difícil dar una opinión acerca de la película de forma benevolente, porque sé que he visto cosas peores, pero da mucha rabia cuando algo está injustamente en un pedestal que no le corresponde y por ello te hace perder el tiempo de esta manera.

Puntuación: 3.5/10
La Grande Belleza en FilmAffinity

Blue Jasmine (2013)

"And the Oscar goes to... Cate Blanchett". Esta es la frase que probablemente oigamos de la voz de Daniel Day-Lewis, allá por el mes de marzo de 2014, en la 86ª edición de los Oscar cuando anuncie a la ganadora del premio a la Mejor Actriz.

Ya sé que me toca hablar de Blue Jasmine, pero es que su actriz protagonista es la película. Sin Cate Blanchett, la nueva cinta de Woody Allen no es nada. El director ha encontrado a una gran actriz para interpretar el papel principal de su film, un papel sobre el que recae todo el peso de la acción y sobre el que se pone toda la responsabilidad del posible éxito de Blue Jasmine.

He leído críticas que ensalzan a la película hacia el mejor nivel de Woody Allen, opinión con la que no estoy del todo de acuerdo, ya que encuentro que el film está bien, tirando a bueno, pero es que, si no tenemos en cuenta el trabajo de Blanchett y analizamos el resultado desde esa perspectiva, podemos ver que tampoco es para tanto.

Cierto es que Allen ha recuperado esos diálogos tan ingeniosos y graciosos, la frescura de sus grandes éxitos, pero no nos engañemos, Blue Jasmine sobresale sobre sus últimos trabajos, sin embargo no está a la altura de los mejores.

Pero no está mal, tiene un reparto muy solvente (gracias Sally Hawkins por dar la réplica, una vez más, tan brillantemente) y podría asegurar que el 90% de los seguidores del cine de Allen no se arrepentiría este haber visto su nuevo trabajo.

Puntuación: 7.5/10
Blue Jasmine en FilmAffinity

New Girl (2011)

Ni qué decir tiene que la comedia americana está viviendo una nueva edad de oro en la televisión. Series como Cómo Conocí A Vuestra Madre (2005), The Big Bang Theory (2007) o Modern Family (2009) son claros ejemplos del resurgir de la nueva comedia televisiva. Ya parecen lejanos aquellos entretenidísimos capítulos de Friends (1994) que hemos visto una vez tras otra sin importarnos si son repetidos o no, y eso está ocurriendo de nuevo con otros muchos seriales.

Y parece que va para rato, pues nuevos productos como New Girl llegan cada día a nuestras pantallas haciéndonos partícipes del buen momento del género. Los capítulos de escasos 20 minutos cada vez están más de moda, pues ya lo dice el refrán "lo bueno si breve dos veces bueno", aunque en España no hagamos ni caso y se rueden capítulos que empiezan a las 22:00h, no acaban hasta pasada la medianoche y la gente acaba por no terminar de enterarse de lo que pasa.

Centrándome en New Girl, protagonizada por la payasa Zooey Deschanel, tengo que decir que cumple las expectativas y está al nivel de esa ola de nuevas series divertidas. Con una sencilla premisa como la de una chica que acaba de dejar una larga relación y se muda a un piso de alquiler donde viven tres hombres, las situaciones cotidianas no paran de suceder aunque con ese punto de locura que les imprime su protagonista.

Aunque puede ser que ella sea así, Deschanel parece nacida para este papel. El resto de actores que la secundan apoyan perfectamente el trabajo de la protagonista y a pesar de algún inevitable altibajo, no hay capítulo en el que no consigan sacarte una sonrisa.

Puntuación: 7/10
New Girl en FilmAffinity

Nowhere Boy (2009)

La vida personal de los componentes de The Beatles, y de todo lo que rodeaba al grupo en sí, siempre ha generado mucha curiosidad, la siguen y por supuesto la seguirán generando. Este hecho no es para nada sorprendente tratándose del mayor fenómeno fan de la historia. Si hoy en día el gran público muere por conocer al detalle las vidas de personajes públicos faltos de cualquier tipo de mérito, cómo no vamos a interesarnos por The Beatles.

Personalmente me alegro muchísimo de que haya directores y directoras empeñados en llevar al cine un biopic de estas características. Cuando un grupo es inmortal, porque sus canciones son himnos, porque su estilo era único e innovador, merece ser recordado en cualquier momento. La gente que no tuvimos la suerte de poder disfrutar de aquellos momentos, tiempos en los que ponían el mundo patas arriba, pero los admiramos como si así lo hubiésemos hecho, siempre agradeceremos algo más de información, un pequeño tributo a su memoria y sobre todo tener la oportunidad de volver a escuchas sus canciones.

Sam Taylor-Johnson se quiso centrar en la que fuese posiblemente la figura con más fuerza del grupo, John Lennon. Y quiso contar con esta película sus inicios, cómo creció y cómo se fue fabricando el mito a sí mismo. Y resulta que la historia es de lo más atractiva pues, como podríamos pensar, tuvo una infancia difícil como todo gran genio que se precie.

Aun así, la película no acaba de cuajar del todo. Parece que el material del que parte es demasiado intenso como para poder abarcarlo en una película. Aaron Johnson pone todo su empeño en el papel, pero el film no deja de parecer la historia de una banda juvenil en vez de los inicios de The Beatles.

Como he dicho antes, no tengo ningún problema en acabar viendo cualquier cosa que involucre al grupo, así que bienvenida sea Nowhere Boy. Además, parece tanta la fuerza de The Beatles, que la película consiguió unir en matrimonio a su directora y a su joven actor. All you need is love.

Puntuación: 6.5/10
Nowhere Boy en FilmAffinity

Gravity (2013)

Yo no soy muy de pelis de ciencia ficción, y puede ser que esta opinión no les valga a los grandes adictos y entendidos del género. Pero, totalmente desde la modestia, he de decir que he sufrido y disfrutado muchísimo con Gravity.

Siempre me han gustado los trabajos de Cuarón, y es una pena que no hayamos podido ver nada suyo desde Hijos De Los Hombres (2006), pero me parece que con Gravity se ha lucido de más. Y eso que el pobre tuvo que recurrir a Sandra Bullock después de ver cómo se caía del reparto actriz tras actriz. Y digo pobre porque tampoco soy para nada fan de la Bullock. Es cierto que en esta ocasión su interpretación es más que decente (nunca vi The Blind Side (2009), trabajo por el que ganó su Oscar) y eso que parece ser que no guarda muy buenos recuerdos del duro rodaje.

El gran y auténtico personaje secundario de la película es el 3D, con permiso de George Clooney, que en este caso está más que aprovechado (todo gravita o vuela en el espacio). Es la primera vez en que me parece más que justificado, así que esto es una añadido que mejora la experiencia.

Aún no me explico por qué decidí ver Gravity. Ni la ciencia ficción, ni Sandra Bullock, ni incluso el 3D son de mis prioridades a la hora de optar por una película, pero no me arrepiento para nada de la elección. Parece que se está creando alrededor suyo un efecto de aquellos en el que o amas la peli o la odias, pues normalmente oigo esas dos versiones al comentarla con la gente.

Sin lugar a dudas recomendaré Gravity, sea cual sea la condición o el gusto de la persona, y por supuesto le pediré que vaya a verla en 3D. En los Yelmo a poder ser, que ya no te cobran el suplemento.

Puntuación: 9/10
Gravity en FilmAffinity

Mud (2012)

En las últimas críticas y opiniones que he leído sobre trabajos en los que participa Matthew McConaughey parece que todo el mundo está de acuerdo en que el actor parece otro. No sólo porque elige proyectos mucho más serios que a los que nos tenía acostumbrados, sino que además está demostrando ser un actor solvente.

Y parece que ese punto de inflexión en su carrera se dio con Mud. Luego llegaron a las pantallas (o llegarán en el caso de España) trabajos en los que parece ser que mantiene su nivel de trabajo y sigue sorprendiendo, sobre todo después de verle en cosas como Novia Por Contrato (2006).

En lo que respecta a la película, hay muchas razones que demuestran que Jeff Nichols es un director valiente. Y no sólo por la elección de McConaughey para el principal rol adulto. Encima, va el tío y decide rodar la peli que debe afianzarle tras Take Shelther (2011) con dos niños, uno de ellos gran protagonista de la historia. Y hay más: la chica es Reese Whiterspoon que, aunque en su día ganó un Oscar, nos tiene más acostumbrados a pufos que a buenas pelis.

Otra de las evidencias de que Nichols no tiene miedo es la trama. En un entorno hostil, el chaval protagonista confía en un fugitivo, que poco a poco nos va cayendo bien, y por el que empezamos a entender el cariño y admiración que siente el crío.

No se me ocurre una mejor manera para continuar con una carrera en alza que hacerlo con Mud.

Puntuación: 8/10
Mud en FilmAffinity

Cruce De Caminos (2012)

Títulos Original: The Place Beyond The Pines

Desde que terminase de ver Blue Valentine (2010), primer film de éxito del director Derek Cianfrance, he estado esperando con ansia su nuevo trabajo. Esta vez no hemos tenido que esperar tanto como con el anterior (2 años) para que llegara a nuestras salas, y hemos disfrutado de Cruce De Caminos hace pocos meses en nuestro país.

Contar con Michelle Williams y Ryan Gosling en tu segunda película es una señal del material que tienes entre manos. El resultado fue una película redonda, con dos de los actores indie más importantes entregados a su genial guion. Pero es que en esta ocasión volvemos a hablar de pesos pesados: Ryan Gosling repite, Eva Mendes se prueba en un papel muy dramático y Bradley Cooper, el chico de moda, sigue demostrando que no sólo de resacones en Las Vegas se vive. Todo esto sin entrar en un redondo grupo de secundarios, todos ellos confesos fans del director, pues ya habían manifestado sus enormes ganas de trabajar con Cianfrance.

En la misma línea que Blue Valentine, Cianfrance sitúa la acción en los suburbios de una pequeña ciudad americana y demuestra tener buena mano tratando personajes de clase más bien baja en situaciones desesperadas. En esta ocasión no hablaré en ningún momento del argumento pues me parece que si no se sabe a lo que se va se disfruta mucho más la película.

De lo que sí puedo hablar es de la tensión que produce y de lo bien actuada y dirigida que está en todo momento. Es un placer descubrir a Cooper poco a poco, en cada buena elección que hace en su carrera, y a Mendes, que se despega de su imagen de chica boom latina. Y sí, lo confieso, soy muy fan de Gosling.

En conclusión, Cruce De Caminos es un drama con tintes de thriller que atrae y que engancha, no sólo por sus actuaciones, sino también porque su director se consagra y demuestra que le augura un futuro muy bueno.

Puntuación: 8/10
Cruce De Caminos en FilmAffinity

Oz, Un Mundo De Fantasía (2013)

Título Original: Oz, The Great and Powerful

Tras dejar la franquicia Spiderman, Sam Raimi parece centrado en crear una nueva marca carne de blockbuster y su primer intento ha sido Oz, Un Mundo De Fantasía, en la que vuelve a contar con James Franco como actor principal.

Basándose en el muy trillado El Mago de Oz, libro por el que en Estados Unidos tienen cierta obsesión, el director intenta dar una vuelta más de tuerca y centrarse en el personaje del mago. Anteriormente, otras adaptaciones han mostrado la historia de Dorothy (el clásico El Mago De Oz (1939) con Judy Garland), la relación entre Elphaba y Glinda (Wicked, libro y posterior adaptación musical en Broadway) o simplemente han hecho una nueva lectura del clásico (El Mago (1978) con Michael Jackson y Diana Ross).

Con el paso del tiempo se intenta sorprender al espectador, y hoy en día parece que la única técnica capaz de hacer esto es el 3D. Bajo mi punto de vista, a veces se acierta pero en otras no. En este caso me parece que se ha abusado demasiado de estos efectos y lo único que se ha conseguido es alargar la duración del filme sin ningún tipo de sentido, ya que no aporta nada al desenlace.

Además, en ciertos momentos parece hasta cutre. No sé si se ha querido que los escenarios se adapten tan poco a la realidad humana de la película, pero destacan demasiado y resultan del todo artificiales. Personalmente no podía para de imaginar la pantalla verde tras los actores.

Sin embargo, esto podría haber quedado en un segundo plano si la historia fuese realmente buena, pero no es el caso. Lo único interesante es el personaje de la muñeca de porcelana y la incertidumbre que se crea al principio entre las brujas, aunque quede resuelta demasiado pronto.

Tristemente, en estos tiempos que corren una película como esta ya había recaudado más de 300 millones de dólares en marzo, así que con esto y su final abierto parece evidente que Raimi ha conseguido lo que buscaba y la secuela ya debe estar en mente de los estudios. Esperemos que para entonces estén más inspirados.

Puntuación: 5/10
Oz, Un Mundo De Fantasía en FilmAffinity

Les Revenants (2012)

Les Revenants es una serie francesa de misterio que te pilla totalmente por sorpresa por el despliegue de recursos que posee: grandes interpretaciones, magníficas localizaciones, el grupo Mogwai encargándose de la banda sonora y un argumento muy interesante. Se nota que aquí Canal + ha echado al resto, aunque ahora parecen estar esperando a recoger los frutos ya que de momento hasta 2014 no es probable que la serie vaya a retomar la grabación de nuevos capítulos. De momento, en Estados Unidos ya le han echado el ojo y preparan su propia versión.

Los acontecimientos empiezan a transcurrir cuando en una pequeña localidad francesa ocurre un accidente de autobús escolar. Pero lo interesante comienza a pasar al poco tiempo, ya que vuelven a sus antiguas casas ciudadanos que se suponía que habían muerto. Como es de esperar, esto provoca como mínimo el asombro de familiares y amigos que intentan recomponerse del shock y comprender qué es lo que ha pasado realmente. En esa misma situación nos hayamos los espectadores, que devoramos los ocho capítulos que configuran la primera temporada para poder conocer poco a poco qué está ocurriendo ahí.

Al igual que ocurre en series como Juego De Tronos, en Les Revenants tenemos que seguir a una buena cantidad de personajes, aunque lo que tiene a favor la serie francesa es que es un número razonable y se dedica el tiempo necesario a cada una de las historias.

Personalmente, no soy el mayor admirador de lo francés, pero he de reconocer que Les Revenants siembra dudas y tensiones que quieres ser capaz de resolver y tiene mucho de lo necesario para ser una de esas series que te hacen desear acabar un capítulo para empezar a ver el siguiente. Eso sí, con la calma y la frialdad que les caracteriza.

Puntuación: 8/10
Les Revenants en FilmAffinity

Ponyo En El Acantilado (2008)

Título Original: Gake No Ue No Ponyo

A la espera de The Wind Rises, el nuevo estreno de los Estudios Ghibli que está al caer, recordamos Ponyo En El Acantilado, uno de los últimos trabajos de Hayao Miyazaki como director de una peli de animación.

De todos los que he visto, Ponyo En El Acantilado es el filme que más se asemeja a la idea que proponía Mi Vecino Totoro (1988). Aunque sus enfoques sean más infantiles que otros, estas dos películas pueden presumir de educar a través de los valores de sus personajes y de la fantasía de sus historias que acaban por llenarte de buen rollo a ti, adulto, y de enseñanzas a los más pequeños.

Ghibli sigue siendo fiel a su estilo, una animación llevada a cabo gracias técnicas que se valen de acuarela y pintura tradicional japonesa, que junto a las ideas sólo propias de su imaginación han convertido a este estudio en uno de las más genuinos. Y digo esto porque si ahondamos un poco en el argumento de esta película podemos entrever el cuento de La Sirenita de Hans Christian Andersen, pero en una muy buena versión a la japonesa marca de la casa.

Ver cómo un niño y un pequeño pez se conocen y acaben queriéndose a través del respeto y el cariño que se tienen el uno al otro podría ser digno de una mamarrachada en manos de otros. Pero Miyazaki ha demostrado que es muy bueno, y puede convertir una base sencilla en algo muy grande.

Una vez más, el trabajo de Miyazaki gustó tanto al público como a la crítica, algo que era totalmente de esperar.

Puntuación: 8.5/10
Ponyo En El Acantilado en FilmAffinity

César Debe Morir (2012)

Título Original: Cesare deve morire

Teatro dentro de una prisión dentro de una película. Eso es César Debe Morir, que nos muestra a un grupo de carcelarios que se aficiona al teatro e interpreta la obra Julia César de Shakespeare mientras está entre rejas.

Contando en el reparto, como es el caso de su protagonista, con verdaderos convictos, los hermanos Taviani parten del casting organizado para elegir a los presos que interpretarán los papeles principales de la obra en uno de los mejores momentos de la película. A partir de aquí, vida real e interpretación se mezclan para mostrarnos cómo se puede montar una obra como Julio César en una localización tan hostil.

La verdad es que el invento no funciona del todo mal ya que, a pesar de la densidad de la obra de Shakespeare, los directores optan por plasmar sus momentos decisivos en poco más de hora y cuarto de duración. Los ensayos en celdas, pasillos y patios de la cárcel resultan bastante interesantes y se aprecia el genial trabajo de montaje que se ha realizado a posteriori.

Sin ser el peliculón del año, César Debe Morir es un producto nuevo y fresco, que arriesga y, aunque no quede del todo cerrado, es recomendable para los curiosos que nos gusta que nos ofrezcan productos novedosos.

Puntuación: 6.5/10
César Debe Morir en FilmAffinity

Keep The Lights On (2012)

Uno de los filmes que llegan a nuestra cartelera desde el pasado Festival de Sundance es este Keep The Lights On, reflejo de las propias vivencias de su director, Ira Sachs, anteriormente expresadas en un libro y ahora adaptadas al cine.

La película muestra los continuos encuentros sexuales de su protagonista con distintos hombres tras haber terminado una larga relación, hasta que finalmente parece encontrar al que pueda convertirse en su nueva pareja. La acción se divide en varias partes, desde el año en que ambos se conocen, y va dando saltos en el tiempo para llegar a los momentos más importantes de la relación.

Debe ser duro revivir un periodo tan largo de tu vida que incluye momentos realmente incómodos para ti, aunque no parezca tan malo por la manera que tiene Sachs de explotar esta historia. Por lo menos ha podido contar con una pareja de actores protagonistas en estado de gracia, ya que se entregan por completo al papel que les ha tocado interpretar sin ningún tapujo y haciendo la historia totalmente creíble. Sin duda, Thure Lindhardt y Zachary Booth son lo mejor de la película.

De todas maneras, el colectivo homosexual puede dar las gracias de que Keep The Lights On se haya estrenado en 2012, pues recupera el "San Benito" de promiscuidad y drogas que durante tantos años ha costado borrar de la opinión pública acerca de los gays. En otra época, Ira Sachs estaría reafirmando y volviendo a dar una imagen que tan solo ocurre en la minoría de los casos de relaciones entre gente del mismo sexo.

Puntuación: 6.5/10
Keep The Lights On en FilmAffinity

Expediente Warren: The Conjuring (2013)

Título Original: The Conjuring

Este año 2013 ha vuelto a la carga James Wan, un más que consagrado director en el terreno del terror gracias a éxitos de taquilla como Saw (2003) e Insidious (2010). El éxito de Saw supuso para el malayo que se abrieran las puertas de Hollywood de par en par y conseguir los medios necesarios para seguir trabajando en el género. La primera película, escrita y dirigida por él, recaudó más de 100 millones de dólares cuando su presupuesto apenas superaba el millón. Y aunque no seguiría dirigiendo, sí participaría en los guiones y en la producción de esa nueva franquicia en la que se convertiría su filme: 6 nuevas secuelas y casi 900 millones de dólares de recaudación mundial.

Tras Insidious, Wan vuelve a centrarse en los fenómenos paranormales, aunque esta vez su película se base en unos hechos reales ocurridos en los Estados Unidos de los años 70. Los Warren, una pareja de demonólogos, se dedican a dar charlas y conferencias sobre extraños casos de posesión, mientras que una familia que se acaba de mudar a una tranquila casa de campo de la zona empieza a experimentar cada noche peores situaciones que las de noche anterior.

Pensándolo fríamente, Expediente Warren: The Conjuring es una recopilación de todos los tópicos habidos y por haber de las películas de terror: familia con niños pequeños, casa encantada, casos precedentes, muñeca horrorosa, caja de música, niebla, tormentas... Y podría seguir durante un buen rato.

Pero lo bueno es que aquí todo está perfectamente ligado y ejecutado. En serio, he pasado mucho miedo. Durante sus casi dos horas de duración, la película no decae en ningún momento y mantiene al espectador en un estado de tensión que es justo el que estaba buscando al dirigirse a la taquilla y pedir su entrada para ver esta cinta.

Expediente Warren: The Conjuring debería servir como el ejemplo a seguir para todas las futuras película de género, pues resulta muy complicado encontrarse con alguna que valga tanto la pena como esta.

Puntuación: 8/10
El Expediente Warren en FilmAffinity

La Bicicleta Verde (2012)

Título Original: Wadjda

Haifaa Al-Mansour tiene el honor de ser la primera mujer que se dedica a la dirección de cine en Arabia Saudí. Y no es moco de pavo. Descubrió su amor por el cine gracias a su padre, famoso poeta árabe, que la introdujo en el mundo de las películas gracias al vídeo ya que en su país no había cines a los que poder acudir.

Tras estudiar en El Cairo y Sidney, Al-Mansour rueda tres cortos y un documental antes de llevar su primer filme al Festival de Venecia 2012. Siempre intentando mostrar al mundo la vida de la mujer en su cultura, ha sido criticada y amenazada debido a un trabajo tildado de no religioso, algo que ella ha negado y alegado que la cultura árabe necesita dar un paso adelante en cuanto a su mentalidad.

Tras conocer estos hechos, podemos imaginarnos qué tipo de película nos vamos a encontrar al ver La Bicicleta Verde. Pero puedo decir que no es una película que base sus esfuerzos en revindicar la libertad para la mujer árabe. Simplemente quiere que la gente sepa que no todas las niñas del país nacen con las mismas inquietudes, que no todas son tan fáciles de convertir a pesar de que sepan el futuro que les espera, pero que sí hay gente que las apoya y puede entender sus ganas de vivir las cosas de otra manera. Y no hay nada de malo, ni en esta postura ni en la que elige la mayoría.

A través del deseo que tiene Wadjda (maravillosa Waad Mohamed) de conseguir algo tan habitual en occidente como una bicicleta, la película muestra las difíciles situaciones por la que tiene que pasar una niña fuerte, pero no obstante con la inocencia que caracteriza su edad.

Para mí, La Bicicleta Verde ha sido una agradable sorpresa, pues creo que es el trabajo más redondo del pasado año que haya visto hasta el momento junto con Amor.

Puntuación: 10/10
La Bicicleta Verde en FilmAffinity

Los Secretos Del Corazón (2010)

Título Original: Rabbit Hole

Con tres años de retraso y sin pasar por los cines, llega directamente en DVD Los Secretos Del Corazón, otra película olvidada por los distribuidores españoles y otra decisión horripilante en la elección de su título en castellano.

John Cameron Mitchell, director del musical de culto Hedwig And The Angry Inch (2001), vuelve a adaptar una obra teatral, esta vez un profundo drama que narra el periodo de recuperación de un matrimonio tras un duro golpe en sus vidas. Y lo hace con una visión propia muy acertada.

Y es que Los Secretos Del Corazón es una lucha constante entre una esposa y su marido por aceptar de una manera u otra ese trágico accidente que ha marcado sus vidas, la búsqueda de la solución para poder seguir adelante. Y aunque el argumento pueda echar para atrás a muchísimo público, yo lo recomendaría sin ninguna duda.

Nicole Kidman obtuvo un merecido reconocimiento tras estar nominada al Oscar por su interpretación en esta película, y es que la australiana hace que te olvides incluso del botox que tan flaco favor le hace, sobre todo a la hora de realizar su trabajo. Y Aaron Eckhart, también en estado de gracia, interpreta a un marido que discrepa mucho en las decisiones que toma su mujer en cuanto a dar un paso adelante en sus vidas tras una pérdida tan dura.

Para concluir sólo me vale reiterarme. Recomiendo a todo el mundo ver Rabbit Hole (así, en su versión original), porque aunque parezca desesperanzadora se disfruta entendiendo lo que está pasando ahí. Quizás los términos cómic y marihuana os acaben animando a verla.

Puntuación: 9/10
Los Secretos Del Corazón en FilmAffinity

Antes Del Anochecer (2013)

Título Original: Before Midnight

Richard Linklater, junto a Julie Delpy y Ethan Hawke, retoma la vida que creara para Jesse y Celine hace ya 18 años en Antes Del Amanecer (1995) y a la que dio continuidad en Antes Del Atardecer (2004). Aunque cada una de las anteriores entregas parecía quedar cerrada, Linklater ha sabido siempre cómo situar al espectador de nuevo ante una de las parejas más carismáticas del cine independiente.

Y los fans de la ahora trilogía estamos encantados, pues la química entre los dos protagonistas parece ser cada vez mayor y, al igual que en sus vidas privadas, han madurado y han sabido adaptarse perfectamente a cada una de las tres situaciones que han tenido que recrear.

Esta vez ya hablamos de matrimonio, ya que Jesse y Celine por fin tienen una vida en común. Como en las anteriores ocasiones, tienen que afrontar otra clase de problemas y miedos aunque adaptados al momento y la situación que están viviendo.

Aunque en esta entrega haya más factores y personajes externos a la pareja, los momentos de intimidad y las conversaciones que tienen lugar entre ellos vuelven a ser los mejores momentos de metraje. El director ha querido introducir ese cambio, tal vez para no repetirse demasiado, y la verdad es que consigue cierta frescura ya que reafirma el hecho de que los protagonistas ya no están solos intentando conocerse mejor, si no que ahora ya son un matrimonio que tiene que lidiar con hijos y con los amigos que viene de la otra parte.

Los actores protagonistas, que esta vez han participado en el guion, están espectaculares. Como en las películas previas, se han metido en la piel de los personajes que crearon y su madurez y experiencia no ha hecho otra cosa más que beneficiar al resultado.

Y por favor, ¿quién no quiere que Delpy y Hawke se líen en la vida real YA?

Puntuación: 9/10
Antes Del Anochecer en FilmAffinity

Una Pistola En Cada Mano (2012)

Desde que descubrí En La Ciudad (2003) me ha interesado el cine de Cesc Gay, director catalán que a través del cine se ha hecho un máster en relaciones personales, especialidad vida de pareja. A nadie como a él parece gustarle tanto indagar en el día a día de las personas y sus sentimientos para con los otros, pero lo mejor de su trabajo es que las refleja tal y como son, tal y como las vivimos los espectadores.

Aunque parezca una base poco interesante para una película, a los espectadores, que en el fondo somos cotillas con ganas entretenimiento, nos encanta ver cómo otros individuos similares a nosotros resuelven ciertas situaciones que en cualquier momento o nos podrían pasar o incluso nos han pasado ya.

En Una Pistola En Cada Mano, gran olvidada en los pasados Premios Goya, el director incluye más historias de las que suele utilizar en sus filmes y focaliza el debate en las decisiones que tomamos los hombres ante diversas situaciones cotidianas como puede ser el rencuentro con aquel amigo al que hace años le perdiste la pista, el darte cuenta de que sigues enamorado de aquella persona a la que le jodiste la vida, el lanzarse a conocer mejor a una compañera de trabajo o simplemente el ocultarle a tu mejor amigo ciertas cosas por miedo al rechazo. ¿Quién no se ha visto alguna vez en una de estas tesituras?

A través de un gran elenco (mención especial para Candela Peña y Eduard Fernández, como siempre), Una Pistola En Cada Mano se divide en varias historias que al principio parecen inconexas pero a medida que avanza la película vamos viendo su nexo de unión.

En conclusión, Cesc Gay sigue en su línea y parece ser uno de esos directores con los que puedes estar seguro de que vale la pena pagar el disparatado precio de la entrada de cine.

Puntuación: 7/10
Una Pistola En Cada Mano en Filmaffinity

Amor Bajo El Espino Blanco (2010)

Título Original: Shan zha shu zhi lian

Los premios conseguidos en varios de los festivales más importantes del mundo sumados a las nominaciones al Oscar de películas como La Semilla Del Crisantemo (1990), La Linterna Roja (1991) o Hero (2002) acreditan a Zhang Yimou como uno de los directores chinos más importantes.

Rozando la veintena de películas, Yimou ha exportado su cine fuera de las fronteras chinas logrando afianzarse dentro y fuera del cine asiático. Amor Bajo El Espino Blanco es su penúltima película y, aunque no consiguiera premios reseñables, sigue en la misma línea de sus anteriores trabajos.

Se podría decir que esta vez Yimou se centra (aún) más en los sentimientos, en lo duro que es afianzar el amor cuando lo único que se encuentran son trabas. El argumento cuenta la historia de amor que surge entre Jing, destinada a ser profesora en la ciudad y labrar un futuro mejor para su familia, y Sun, campesino hijo de un militar.

Ella sabe que no puede fallar a su madre y debe seguir una vida totalmente decorosa, por lo que es consciente de que la relación entre los dos jóvenes podría no ser bien vista por las autoridades de las que tanto depende su futuro trabajo. En consecuencia, la película desemboca en una serie de situaciones muy difíciles para ambos.

Aunque en ciertos momentos resulte poco creíble, Amor Bajo El Espino Blanco narra y muestra a la perfección los sentimientos de cada uno de los personajes involucrados en la historia, atrapando al público y haciéndole partícipe del sufrimiento de la pareja protagonista.

Puntuación: 7.5/10
Amor Bajo El Espino Blanco en FilmAffinity

El Viaje De Chihiro (2001)

Título Original: Sen To Chihiro No Kamikakushi

Hoy en día, Hayao Miyazaki es uno de los animadores más famosos de la historia del cine, y los Estudios Ghibli, de creación propia, uno de los más prestigiosos incluso en el mundo occidental.

Desde Nausicaä del Valle del Viento (1984) ha llovido mucho. Éxitos mundiales como Mi Vecino Totoro (1988) o La Princesa Mononoke (1997) hacían crecer la fama del anime en todo el mundo en general, y de los estudios en particular. Pero el punto de inflexión para Ghibli fue el éxito cosechado con esta El Viaje De Chihiro, Oscar a la Mejor Película de Animación incluido que acabaría de introducir en Occidente el trabajo realizado por los estudios japoneses.

La historia de Chihiro, una niña que viaja con sus padres y se adentra en un mundo de fantasía lleno de espíritus cautivó a la crítica internacional y al público más seguidor del trabajo de Miyazaki.

Con aires de Alicia En El País De Las Maravillas, Chihiro parece vivir en un sueño cuando se encuentra sola en una ciudad misteriosa que se transforma al caer la noche y atrapa a sus padres bajo un encantamiento que sólo ella será capaz de revertir.

Personalmente, me cuesta entrar en estos escenarios, pero probablemente sea un problema cultural ya que hay que reconocer que las situaciones vividas por Chihiro son genuinas e interesantes. Sin embargo, me quedo con las vertientes más infantiles de Miyazaki, por ejemplo con la nombrada Mi Vecino Totoro.

Puntuación: 7/10
El Viaje De Chihiro en FilmAffinity

Damiselas En Apuros (2011)

Título Original: Damsels In Distress

Uno de los productos indie más sonados durante el año pasado fue Damiselas En Apuros, película que acaba de afianzar a Greta Gerwig como la musa por excelencia de este tipo de cine.

Basada en las relaciones entre universitarios estadounidenses, siempre muy preocupados por el qué pensarán los demás, formando hermandades y grupos de lo más variopintos, la película se centra en un grupo de amigas que está al cargo de una unidad de prevención que ayuda a los alumnos que corren el riesgo de suicidarse. Ni más ni menos.

Violet (Gerwig) es la cabecilla del grupo, además de parecer la chica más segura de sí misma en toda la escuela... pero esa seguridad puede desmoronarse cuando se ve afectada por los temores que tanto intenta evadir en los alumnos que recurren a su "institución".

La verdad es que el film empieza muy bien, porque va directo al tema y parece que va a ser una prometedora comedia. La pena es que el director no haya sabido mantener el ritmo inicial y la trama se vaya desinflando poco a poco. A pesar de algunas buenas situaciones y diálogos, el conjunto no pasa de ser una película más.

De todas maneras, y como siempre digo, habrá que estar pendiente de futuros trabajos tanto de Stillman como de Gerwig para ver si no les pasa como a Damiselas En Apuros, porque aunque no acaben de explotar se percibe un buen material de base.

Puntuación: 6.5/10
Damiselas En Apuros en FilmAffinity

Django Desencadenado (2012)

Título Original: Django Unchained

Lo bueno del cine de Tarantino es que siempre sigue un patrón y sabes que, si te va su rollo, siempre va a gustarte su nueva película. Echando un vistazo por encima en FilmAffinity, no creo que ningún otro director tenga la media de estrellas que tienen sus películas, la gran mayoría por encima del 7.

Y esto ocurre porque su público somos muy fieles y él sabe cómo contentarnos. La gente que ha probado a Tarantino y no le ha gustado deja de ver sus películas, y todos tan contentos. Sus fans seguimos al pie del cañón y vemos lo nuevo sin falta.

Con Django Desencadenado ocurre esto mismo. Además pasa que la cinta parece el resultado de los mejores momentos de sus últimos trabajos. Sin ánimo de hacer spoiler (no seguir leyendo el párrafo si no la has visto), a lo largo del metraje he podido recordar la escena de aquel garito japonés en Kill Bill Vol. 1 (2003) donde Uma Thurman se quedaba sola después de dejar sin extremidades a la mayoría de sus rivales o la escena final y el leitmotiv de Malditos Bastardos (2009).

Después de vengar a las víctimas del nazismo y la esclavitud ¿qué va a ser lo próximo? Estoy seguro que sea lo que sea bienvenido será. Lo único que le recrimino al director es la duración de sus películas; no creo que sea necesario tal despliegue de minutos, aunque sí es cierto que en Django no me sobra nada.

Resumiendo, una película de Tarantino muy fiel a su estilo y digna de incluir en nuestra videoteca.

P.D.: no entiendo por qué el nombre de Samuel L. Jackson no ha aparecido en la temporada de premios.

Puntuación: 8.5/10
Django Desencadenado en FilmAffinity

Criaturas Celestiales (1994)

Título Original: Heavenly Creatures

"Introducing Melanie Lynskey and Kate Winslet" narra el final de los créditos iniciales de esta cinta de un Peter Jackson que ha cambiado su estilo por completo desde entonces. Dos grandes actrices descubiertas por el neozelandés que han corrido distinta suerte a lo largo de sus carreras.

Mientras Melanie Lynskey ha quedado relegada a ser una solvente secundaria, la carrera de Kate Winslet despegaba en ese mismo momento. Y es que las buenas maneras de la actriz ya se apreciaban en este primer trabajo importante para ella donde demostraría de lo que iba a ser capaz. Lo que suele ocurrir en estos casos es que los jóvenes actores aportan inocencia a sus trabajos, pero con Kate ocurre todo lo contrario, pues ofrece una interpretación totalmente abrumadora donde no se queda con ni una mínima parte de sentimiento para ella, lo ofrece todo. En otro caso estaríamos hablando de sobreactuación, pero en éste hablamos de fuerza y talento.

La película cuenta una historia real de lo más inquietante y conmovedora. Cómo dos jóvenes muy especiales acaban siendo grandes amigas, incluso algo más, y viviendo las propias historias que ellas mismas inventan a manera de juegos. Con una mezcla de fantasía y problemas de la vida cotidiana, Peter Jackson rueda esta especie de cuento cruel en el que vale la pena adentrarse.

A pesar de resultar un poco rara por momentos, Criaturas Celestiales es una buena película en la que la mejor actriz de su generación pudo mostrarse al mundo y labrarse una excelente carrera hasta el momento.

Puntuación: 7/10
Criaturas Celestiales en FilmAffinity

Ayer No Termina Nunca (2013)

Hace unos días llegaba a la cartelera lo nuevo de la catalana Isabel Coixet tras Mapa De Los Sonidos De Tokio (2009) y el documental Escuchando Al Juez Garzón (2011).

Tras muchos años de películas no documentales fuera de nuestro país y rodadas en inglés, la directora vuelve a rodar en Barcelona y en castellano. Para ello hace uso por tercera vez de Javier Cámara y se estrena trabajando con Candela Peña, que muestra el tremendo talento que tiene regalándonos (de nuevo) una interpretación de la leche.

Utilizando la crisis que estamos viviendo, el argumento se sitúa en el año 2017 y se centra en el reencuentro de una pareja que se separó en 2012 tomando caminos muy diferentes y por motivos más distintos si cabe.

Ayer No Termina Nunca es una película muy Coixet en muchos aspectos. Se nota que está tras la cámara principal, al igual que se percibe su mano en el guion. Pero esta no es una cinta de grandes medios como con los que contó en anteriores ocasiones, como podía ser Elegy (2008), y de hecho hay algunos recursos y momentos de la historia que rozan lo cutre. Y juro que me cuesta decir esto una barbaridad como gran admirador del cine de la directora que soy.

La elección de rodar principalmente en una única localización le da a la película un aire teatral que le va que ni pintado, pero esos pensamientos en un blanco y negro desaliñado a veces le quedan algo ridículos obligando al espectador a tener que acostumbrarse a ellos.

A pesar de todo esto, el talento está ahí, tanto en la dirección como en la interpretación y es casi imposible terminar de ver la película sin emocionarse, algo que no es nada fácil de conseguir.

Puntuación: 6.5/10
Ayer No Termina Nunca en FilmAffinity

Take Shelter (2011)

Lars Von Trier no fue el único director que eligió el fin del mundo como tema a tratar en una de sus películas, Melancolía, en 2011. Jeff Nichols apoyó la moción con su Take Shelter.

Pese a partir de la misma premisa y provocar una angustia eterna en el espectador, ambos films abordan el tema de maneras muy distintas. Mientras el polémico danés partía desde el día de la boda de una joven pareja, Nichols utiliza una familia ya afianzada. La esquizofrenia reflejada en el historial familiar de Curtis, un padre interpretado como de costumbre perfectamente por Michael Shannon, confunde a un público que tiene que debatirse durante todo el tiempo entre creer o no las premoniciones que sufre el protagonista.

Lo que sí se nos deja claro, es que lo que parecía un núcleo familiar sólido, empieza a derrumbarse con una facilidad pasmosa debido a las jugarretas que juega la mente. Además de las brillantes actuaciones (Jessica Chastain ya dejaba ver su gran potencial) ayudan al resultado la buena ejecución del director, un guion perfectamente ordenado y respetuoso con la trama, y la buena fotografía empleada.

Take Shelter es un film incómodo de ver, pero que vale la pena debido a la tensión que provoca y ¡coño! porque da gusto poder reconocer el buen trabajo que ha realizado un gran equipo.

Puntuación: 7.5/10
Take Shelter en FilmAffinity

Weekend (2011)

Con más de un año de retraso, llegaba hace un par de meses a España Weekend, segunda película del director británico Andrew Haigh que parece querer seguir ahondando en temas relacionados con la homosexualidad después de su primer trabajo.

Como el título de la película indica, Weekend nos muestra la relación entre dos hombres que se conocen una noche de viernes en un local de ambiente y acaban pasando gran parte del fin de semana conociéndose.

Con un argumento tan simple, Haigh pone sobre la mesa todos los miedos e inseguridades que puede suponer ser gay hoy en día para un hombre que supera la treintena y que no acaba de aceptar su condición, al menos de puertas (del armario) para afuera. Debido a la relación que surge entre el protagonista y su nuevo amigo, más joven y convencido de su sexualidad, salen a flote todos los miedos tanto de uno como de otro.

Tal vez el espectador pueda estar cansado de que se le intente convencer acerca de ciertos temas, normalmente de tipo social, y más cuando ese espectador ya sabe de lo que se está hablando y no necesita que nadie le venga a persuadir.

Pero Weekend no es sólo un intento de reivindicar o normalizar una situación, es una buena película en sí misma, debata sobre la homosexualidad o no. Porque en tan poco espacio de tiempo es muy difícil decir todo lo que se está diciendo y con tan buenas maneras.

Puntuación: 8.5/10
Weekend en FilmAffinity

Olvídate De París (1995)

Título Original: Forget Paris

Uno de los personajes más populares en los EEUU de los 90 es Billy Crystal. Su trabajo, bien en cine o en teatro, como cómico, productor, director y también como el más carismático presentador de la ceremonia de los Oscar le ha valido la gran fama de la que consta.

Con Olvídate De París explotó varias facetas animándose tanto en la producción, como en la dirección y actuación. Y no le fue del todo mal. Junto a un grupo de actores y actrices más que solventes, Olvídate De París no es la típica comedia que estamos acostumbrados a ver, cosa que siempre se agradece, y revela tanto la cara agradable como la desagradable de las historias de amor a primera vista.

La película muestra a una pareja de prometidos que se dispone a cenar con los amigos de él, a los que la chica todavía no conoce. Según van llegando estos al encuentro, desvelan a la futura novia la historia de amor de su amigo Mickey con una chica a la que conoció en París.

Sin lugar a dudas, Crystal utilizó recursos muy parecidos a los de otro carismático director, Woody Allen, pues hay momentos en los que te dejas llevar y piensas que estás viendo uno de sus trabajos. Diálogos rápidos y entretenidos, agilidad en la acción y, sobre todo, entretenimiento casi en cada escena.

Si tuviese que decir algo malo del film, quizás es que le sobra alguno de los desencuentros entre los protagonista, ya que acaban cayendo un poco en la repetición de los (buenos) recursos que se han utilizado para narrar la relación.

Pero eso por decir algo, ya que es innegable que Olvídate De París es una comedia más que entretenida (esa escena de la paloma...) y de la que otras deberían aprender muchas cosas.

Puntuación: 8/10
Olvídate De París en FilmAffinity

¡Piratas! (2012)

Título Original: The Pirates! Band of Misfits

De los estudios creadores de Wallace & Gromit el pasado año llegó a los cines ¡Piratas!, que persigue el mismo estilo en su animación pero con un humor mucho más mundsanal y cercano.

Aunque la película narre las aventuras de un grupo de piratas, Peter Lord no ha querido salirse del estilo "british" de anteriores producciones y mete de por medio a una divertidísima Reina de Inglaterra que hace las veces de mala de la función.

A pesar de esto, el premio al mejor pirata del año es la excusa para filmar una película del género pero llevada a cabo de una manera mucho más original. La búsqueda de tesoros por parte del protagonista tiene una bis totalmente cómica y los personajes que le rodean escenifican y se ríen muy bien de los tópicos que rodean a estos ladrones de los mares. No es poca la cantidad de personajes que secundan al principal, y cada uno de ellos tiene su momento y sabe llegar al espectador.

El mono que se comunica a través de carteles, los piratas contrincantes, la chica disfraza de hombre, la ya nombrada Reina... no hacen otra cosa más que sumar puntos de interés al resultado.

¡Piratas! ha sido una de las sorpresas del año en el terreno de la animación, que goza de una salud envidiable, y demuestra que los estudios Aardman saben ir mucho más allá de sus personajes franquicia.

Puntuación: 7.5/10
¡Piratas! en FilmAffinity

Wonderful Town (2007)

En plena fiebre de Lo Imposible (2012) recuerdo Wonderful Town, película tailandesa ambientada en una zona al norte de la isla de Phuket donde en 2006 sufrieron la fuerza del mismo tsunami relatado en la película española.

Su director tuvo problemas de post-producción para poder acabar el film debido al trágico acontecimiento. Finalmente el film pudo ser terminado y presentado en varios festivales donde acabaría ganando importantes premios y lo que es mejor, la comercialización de la cinta fuera de su país.

El argumento narra la llegada de un arquitecto a un hotel de paso en una pequeña localidad costera donde flaquea el negocio y las costumbres siguen siendo demasiado obsoletas. Allí trabaja una introvertida chica, hija del propietario, que se encargará de tener siempre lista la habitación del protagonista. Entre ellos surgirá algo más que una amistad que no será precisamente del agrado del resto de gente.

Mientras estás viendo Wonderful Town te inunda una tremenda paz, aunque ese sentimiento de tranquilidad se rompe en los momentos más importantes y duros del metraje.

Esto es conseguido por largos y silenciosos planos que impregnan toda la película pero que para nada la convierten en aburrida. Quizás lo único malo es que la historia principal no sea lo suficientemente atractiva para que el final surja el efecto que debería.

Después de la dureza y nervios de Lo Imposible podría estar bien terminar una sesión doble con Wonderful Town. Aunque probablemente muchos prefieran invertir el orden, con lo que no estaría para nada en desacuerdo.

Puntuación: 6.5/10
Wonderful Town en FilmAffinity

Los Amantes Pasajeros (2013)

Durante los últimos años de su carrera, Pedro Almodóvar ha ido oscureciendo su estilo y sacando a la luz películas ambientadas más en el cine negro que en la comedia que le dio a conocer. Los Amantes Pasajeros es la intentona de su director de volver al estilo que le dio la fama.

Que lo haya conseguido o no ya es otro tema. He leído críticas de todos los colores, pero abundan las de personas que han quedado horrorizadas por lo nuevo del manchego.

Por un lado, debo decir que no me extraña. Puede resultar escandaloso el desaprovechamiento de los recursos técnicos y profesionales con los que cuenta Almodóvar para rodar sus films, ya que la imagen de Los Amantes Pasajeros se asemeja a la de una serie de televisión de bajo presupuesto. Y si hablamos de la historia, el principio de la película parece no tener un rumbo claro mientras los personajes no paran de soltar una burrada tras otra de una manera de lo más gratuita.

Pero por otro lado, todo empieza a encajar en la segunda mitad del metraje. Aunque el director siga abusando de la verborrea de los magníficos azafatos del vuelo que ha inventado (grandísimo Carlos Areces), y de la paranoia que provocan la mayoría de las situaciones, es inevitable no reírse en varias ocasiones.

Posiblemente el error de Almodóvar haya sido el humor. Es imposible que el humor que utilizaba en sus primeras películas encaje treinta años después, aunque intente incluir guiños a la sociedad actual. Sobre todo en un país que estaba saliendo de una dictadura, que vivía alegremente en plena movida, pero que ahora está en crisis, cabreado con la situación actual y donde no pasa un día sin malas noticias. Con lo cual, ese humor quizás debería haber evolucionado en otra dirección.

Sea como sea, y llamadme básico, yo me he divertido muchísimo.

Puntuación: 7/10
Los Amantes Pasajeros en FilmAffinity

Amor Y Letras (2012)

Título Original: Liberal Arts

Ahora que parece vislumbrarse el final de la serie Cómo Conocí A Vuestra Madre (2005-actualidad), Josh Radnor vuelve a la dirección con una nueva película.

Radnor ya había dirigido e interpretado la notable happythankyoumoreplease (2010), aunque con un tono más dramático al que nos tiene acostumbrados en televisión. Sin embargo, con Amor Y Letras volvemos a reconocer a Ted Mosby, por mucho que intente despegarse de él.

A los que somos seguidores de la serie no nos importa que Ted protagonice un largo, aunque sea uno de los personajes que menos me llame la atención, y supongo que puede resultar simpático a los que no hayan visto ningún capítulo de Cómo Conocí A Vuestra Madre. Por eso casa como prota en Amor Y Letras, además de demostrar buena química con Elizabeth Olsen que parece dispuesta a seguir despegando en su carrera como actriz.

La relación que nace entre un profesor y una alumna, que por cierto no comparten clase, ni siquiera ciudad, y que además acaban de conocerse mediante otras personas termina siendo interesante. A pesar de ser el típico amor "de película" está bien ejecutado y es atractivo para el espectador.

Así que Josh Radnor lo vuelve a conseguir. Quizás se queda a medio camino y no alcance la redondez de happythankyoumoreplease, pero se puede decir que Radnor, aunque encasillado, está abriendo su camino fuera de la televisión. Más le vale.

Puntuación: 7/10
Amor Y Letras en FilmAffinity

Ruby Sparks (2012)

Seis años ha tardado el matrimonio Dayton-Faris en volver al cine tras el aclamado éxito obtenido con Pequeña Miss Sunshine (2006). Con Ruby Sparks vuelven a repetir el estilo indie de su primer film y esta vez ruedan un guion escrito por Zoe Kazan, nieta del gran director Elia Kazan, y que también actúa en la cinta.

La historia se centra en Calvin, un joven escritor que ha impresionado con su primer libro y que ahora sufre la presión de obtener los mismos resultados con su segundo trabajo (¿les habrá pasado lo mismo a los directores?). Falto de ideas, Calvin tiene sueños con una chica acerca de la cual empieza a escribir, hasta que un día se da cuenta de que esa chica, llamada Ruby, está en la cocina de su casa.

Con esta original premisa, y un genial guion, se desarrolla toda la acción de una película más que redonda. Empezando por Paul Dano y Zoe Kazan, pasando por el gran reparto que les secunda y terminando porque la simpleza de sus comienzos se complica en el nivel justo y necesario al final.

No podemos comparar Ruby Sparks con Pequeña Miss Sunshine, pero me atrevería a decir que Jonathan Dayton y Valerie Faris lo han vuelto a conseguir, a pesar del escaso reconocimiento, y estamos ante una de las mejores películas de 2012.

Por cierto, ojito con las manos de Zoe Kazan. Habrá que estar atentos a esta nueva faceta que hemos descubierto de la actriz.

Puntuación: 8.5/10
Ruby Sparks en FilmAffinity

Hitchcock (2012)

El problema de que una película prometa mucho es que la posible decepción sea muy dura. Partiendo de esta premisa, voy a intentar tratar a Hitchcock desde un punto de vista neutral, sin tener en cuenta las sensaciones que me provocaba antes de haberla visto.

La nueva película de Sacha Gervasi no está mal, aunque sufre muchos problemas que habrían sido solventados muy eficazmente por el famoso director al que interpreta Anthony Hopkins. Y es que no hay ningún misterio en esta película. El director muestra la historia del rodaje de Psicosis (1960), la película de suspense más vanagloriada de la historia, pero lo hace con total carencia de eso, de suspense.

Cómo tomó Hitch ciertas decisiones para rodar esa historia no suscitan ningún tipo de interés en el espectador, ya que son relatadas con total calma y desinterés. Alma, la mujer del rey del suspense, influyó sobremanera en la carrera de su marido y, aunque se aprecia de alguna manera, falta algo en el film que nos deje esto bien claro. Quizás Gervasi se debería haber interesado más en los caminos que llevaban a Psicosis y menos en la relación que vivía el matrimonio en ese momento.

No hay lugar a dudas de que el material es interesante, pero no suficiente. Ni siquiera las magníficas interpretaciones de los protagonistas y de Scarlett Johansson como Janet Leigh enganchan. El punto en el que se rodó la famosa escena de la ducha debería ser el momento álgido del metraje, pero es que la película carece del mínimo instante de este tipo.

En definitiva, Hitchcock es una película que no deja de ser curiosa, pero sin ir más allá. La falta de riesgo y acción la destinan al olvido. Y como decía, aunque no lo parezca, no me he dejado influenciar por las expectativas que tenía.

Puntuación: 6/10
Hitchcock en FilmAffinity

Oscar 2013

La 85ª edición de entrega de los Oscar, los premios más importantes del cine, será recordada por ser una de las más igualadas de su historia.

No faltaron las sorpresas en la noche de estreno de Seth MacFarlane como conductor de la gala. A pesar de que Lincoln acaparaba el mayor número de nominaciones, Argo se perfilaba como la favorita de la noche por la trayectoria que había adquirido en los últimos premios entregados por los distintos gremios. Y se cumplieron los pronósticos.

Ben Affleck subiría al escenario finalmente para recoger el premio a la Mejor Película aunque ni siquiera fuese nominado por su trabajo como director. Previamente, Argo se adjudicó dos premios más (Mejor Guion Adaptado y Mejor Montaje), pero sería La Vida De Pi la producción con mayor número de estatuillas, cuatro, entre ellas la de Mejor Director para un contentísimo Ang Lee que suma ésta a la anteriormente conseguida por Brokeback Mountain (2005).

En terrenos interpretativos pocas sorpresas. Jennifer Lawrence (con caída incluida) le ganaba la partida a Jessica Chastain en la categoría de Mejor Actriz Protagonista por su trabajo en El Lado Bueno De Las Cosas, quizás la más disputada de las cuatro. Daniel Day-Lewis ganaba su tercer premio como Mejor Actor Protagonista, Christoph Waltz su segundo por Mejor Actor de Reparto y finalmente Anne Hathaway se llevaba el Oscar más cantado de la noche por su Fantine en Los Miserables.

Otros ganadores a destacar son Quentin Tarantino por el Guion Original de Django Desencadenado, Michael Haneke ganaba con Amor el premio a la mejor Mejor Película De Habla No Inglesa, Brave sorprendía siendo elegida la Mejor Película de Animación, Searching For Sugar Man se reafirmaba como Mejor Documental y Skyfall se alzaba con dos premios, uno para Adele en el apartado de Mejor Canción y otro por su Edición de Sonido, compartido con La Noche Más Oscura.

Por la parte que nos toca, ni Naomi Watts ni Paco Delgado consiguieron premio, pero es que la competencia era muy dura. De todas maneras y en líneas generales, creo que el reparto de premios fue justo y podríamos decir que da gusto ver una gala en la que no se está repitiendo siempre el nombre de una misma película, tal y como aconteció en nuestros Goya.

Aquí os dejo un pequeño resumen de ganadores:

- La Vida De Pi: 4 premios
- Argo y Los Miserables: 3 premios
- Django Desencadenado, Lincoln y Skyfall: 2 premios

- Mejor Película: Argo
- Mejor Director: Ang Lee por La Vida De Pi
- Mejor Actor: Daniel Day-Lewis por Lincoln
- Mejor Actriz: Jennifer Lawrence por El Lado Bueno De Las Cosas
- Mejor Actor de Reparto: Christoph Waltz por Django Desencadenado
- Mejor Actriz de Reparto: Anne Hathaway por Los Miserables
- Mejor Guion Original: Django Desencadenado
- Mejor Guion Adaptado: Argo
- Mejor Película de Animación: Brave (Indomable)
- Mejor Película de Habla No Inglesa: Amor

 

Consulta el resto de premios

Argo (2012)

El nuevo trabajo de Ben Affleck, como actor pero sobre todo como director, está dando mucho que hablar. En la recta final hacia los Oscar se ha colocado como la gran favorita para llevarse el premio gordo y razones no le faltan.

En plena crisis política entre Irán y los Estados Unidos, un grupo de miembros de la embajada norteamericana busca la oportunidad de escapar del país sin éxito, teniendo que esconderse en casa del embajador canadiense. Desde Washington tendrán que idear una manera de traer de vuelta a los rehenes, sorteando las revueltas que ha originado la tensión entre ambos países.

Basada en una historia real, la operación Argo, basada en fingir la grabación de una película de Hollywood en la país persa, fue una de las decisiones más complicadas de tomar y a la vez más aplaudidas a posteriori, que Affleck ha sabido llevar a la pantalla a las mil maravillas. El director nos mantiene en tensión desde el minuto uno, dejando claros todos los puntos que se están tratando en ambos lados del mundo, algo que es muy de agradecer en estos casos, y haciendo al público partícipe de todos los puntos de vista involucrados en la acción.

Sin embargo tengo un "pero", y es que si Affleck demuestra ser tan buen director ¿por qué no es un poco más crítico con sus actuaciones? Su personaje parece apesadumbrado y desmotivado durante toda la película cuando lo que tendría que reflejar es nerviosismo, preocupación y seguridad en según qué momentos.

Dejando esto último de lado, sin lugar a dudas y a falta de conocer los resultados de la próxima gala de los Oscar, la carrera de Ben Affleck como director ya es un hecho y hay que estar atento a sus próximos proyectos.

Puntuación: 8.5/10
Argo en FilmAffinity

Premio Goya 2013

En la noche de ayer, 17 de febrero de 2013, se entregaron los premios de la Academia del Cine Español. Una 27ª edición donde hubo lugar para pocas sorpresas, muchas reivindicaciones y en la cual Eva Hache, su extraordinaria presentadora, menos nerviosa y más suelta que el año pasado, repartió cera a diestro y siniestro. Seguramente fue una noche que no olvidará, aunque ya quisiera, nuestro querido (anti)ministro de Educación, Cultura y Deporte, José Ignacio Wert, que fue unos de los objetivos más recurrentes de las quejas emitidas por presentadora, entregadores de premios y premiados. Pero allí estaba el tío, como quien no quiere la cosa aguantando el tipo.

Los pronósticos se cumplieron y la gran triunfadora de la gala fue Blancanieves, que arrasó con 10 premios, aunque J.A. Bayona le arrebatara por sorpresa el de Mejor Director a Pablo Berger. También se reconocieron los méritos técnicos de Lo Imposible, que acumuló 5 galardones y el éxito de Tadeo Jones, la primera película de animación en llevarse 3 candidaturas. En el lado negativo, El Artista Y La Modelo de Fernando Trueba se iba de vacío a pesar de sus 13 nominaciones.

En los apartados interpretativos no hubo sorpresas: Maribel Verdú recogía su segundo Goya por su madrastra en Blancanieves y José Sacristán ganó el premio a Mejor Actor por El Muerto y Ser Feliz en su sorprendente primera nominación. En lo referente a reparto, Candela Peña se alzó con su tercer premio por el papel que interpreta en Una Pistola En Cada Mano y Julián Villagrán (que también repite) le daba el segundo premio de la noche a Grupo 7.

Como todos los años, la entrega de premios nos deja también malos momentos. Qué mal la metedura de pata de Adriana Ugarte al equivocarse al entregar el premio a la Mejor Canción Original. Debe ser muy complicado abrir un sobre y leer lo que pone en él. Y si los organizadores van a seguir metiendo momentos musicales ¿por qué no se encargan de hacer un buen casting para encontrar a actores y actrices que sepan cantar? Les doy pistas para otros años: Natalia Millán, Mar Regueras, Pablo Puyol, Asier Etxeandia,...

Y ya dijo la Hache, otro año más celebrando la noche del Cine Español, aunque no sepamos si va a ser la última teniendo en cuenta los recortes que está sufriendo el sector. Junto con ella, lo mejor de la noche fue el discurso de agradecimiento de una dolida Candela Peña tras las críticas recibidas en los Premios Gaudí, un visiblemente emocionado J.A. Bayona, que cada vez que alguien del equipo de Lo Imposible recogía un premio se echaba a llorar y Concha Velasco, que estaba en su salsa y disfrutó cada segundo de su momento al recoger su Goya Honorífico.

Lista completa de ganadores

El Alucinante Mundo De Norman (2012)

Título Original: ParaNorman

Antes que nada ¿la distribuidora pensaba que en España no íbamos a entender la sutileza del título original?

La animación en stop-motion cada vez está más depurada y refleja unos resultado buenísimos que no tienen nada que envidiar a las películas animadas por ordenador. De hecho el volumen de los personajes y la depuración en el movimiento que han conseguido los animadores de El Alucinante Mundo Norman dan fe de ello.

Además, se han introducido en el argumento de la película elementos que sólo parecían reservados para Tim Burton. Pero Chris Butler y Sam Fell se han atrevido y caricaturizar el mundo de esos muertos a los que sólo ve Norman, y que le llevan a ser un marginado social debido a la locura que aparenta ante el resto de mortales que no entiende qué le ocurre a ese niño que habla "con las paredes".

Puede resultar una pizca espeluznante para según qué edades, pero en general la película es divertida para cualquier tipo de público a pesar del tema que trata. Utiliza los clásicos estereotipos yanquis (el chaval musculado, la niña popular, el amigo regordete,...) pero incluyendo sorpresas que denotan que es un film rodado en 2012.

Muy entretenida para cualquiera de esos ratos en los que no sabes qué hacer y no esperas que esta hora y media cambie tu vida.

Puntuación: 6.5/10
El Alucinante Mundo De Normal en FilmAffinity