Melancolía (2011)

Título Original: Melancholia

El introvertido y polémico Lars Von Trier estrenaba el pasado año Melancolía, hecho que lo convertía en todavía más polémico si cabe debido a sus declaraciones en el Festival de Cannes, donde se pudo ver la cinta por primera vez.

Su protagonista Kirsten Dunst ganó el premio a la mejor actriz y la buena crítica recibida por la película fue eclipsada por las desafortunadas palabras del director acerca del nazismo.

Polémicas aparte, estoy de acuerdo con esas opiniones que señalan a Melancolía como la buena película que es, aunque no sea la mejor de Von Trier. No parece que los últimos trabajos del danés alcancen el nivel de filmes tan electrizantes y duros como sus Bailando En La Oscuridad (2000) o Dogville (2003).

De todas maneras hay que reconocer que Melancolía es un buen ejercicio de reflexión. Nos atrae a cotillear tanto la relación de la protagonista con su familia como la evolución que sufren ante la crítica situación que se les plantea. El debate sobre qué haríamos nosotros en esos momentos finales queda abierto al final del metraje.

El nuevo proyecto de Von Trier va a ser The Nymphomaniac. Si ya os podéis imaginar cuál va a ser su temática además os digo que va a rodarla con sexo real. Habrá que esperar a verla, pero seguro que lo de Cannes quedará como una simple anécdota tras futuros estrenos.

Puntuación: 7/10
Melancolía en FilmAffinity

Historias De Navidad (1983)

Título original: A Christmas Story

En Estados Unidos la fiebre de las películas navideñas es mucho más fuerte que en el resto del mundo, pero a pesar de esto no han conseguido, salvo en casos aislados, sacar a la luz un buen film sobre estas fechas a la altura, por ejemplo, de la inglesa Love Actually (2003).

 

Esta Historias De Navidad es todo un clásico en el norte de América. Basada en una serie de historias cortas y anécdotas reflejadas en el libro In God We Trust, All Others Pay Cash, nos cuenta las Navidades de Ralphie y su familia. Todo empieza cuando el chaval curte una estrategia para pedir como regalo a Santa Claus un rifle de aire comprimido con el que sueña desde hace tiempo, aun sabiendo que su idea no gustará a sus padres.

 

La cinta se deja ver, tiene momentos muy graciosos y el típico estilo del cine de los ochenta que personalmente no es el que más me agrada. Los momentos de los niños en el colegio armando sus travesuras y las imaginaciones del protagonista son los mejores, aunque se salen un poco del hilo de la historia lo que hace que el resultado sea algo caótico.

 

Puedo entender que Historias De Navidad sea un clásico en su país de origen por los repetidos pases en la televisión año tras año, pero para nada opinaría que llegase a trascender más allá de sus fronteras como en el caso, por ejemplo, de Qué Bello Es Vivir (1946).

Puntuación: 6/10
Historias De Navidad en FilmAffinity

La Vida De Pi (2012)

Título Original: Life Of Pi

Ang Lee es uno de los directores más versátiles que pasan ahora mismo por Hollywood, aunque tenga que rodar en Taiwán, su país de origen, para abaratar costes. Su buen hacer le ha llevado a cosechar grandes éxitos en los diferentes géneros cinematográficos con los que se ha atrevido.

Lo mismo le da dirigir una comedia romántica como El Banquete De Bodas (1993), que una película de época como Sentido Y Sensibilidad (1996), o una de artes marciales como Tigre Y Dragón (2000), incluso una de superhéroes como Hulk (2003), un dramón homosexual como Brokeback Mountain (2005) o una road movie musical como Destino: Woodstock (2009).

El taiwanés ha demostrado que cumple sus propósitos sea cual sea la tesitura del trabajo de turno. Así que esta vez ha querido ir más allá adaptando la novela La Vida De Pi, proyecto muy deseado en los Estados Unidos pero al que nadie se atrevía a dar un enfoque claro. Lee no sólo consigue llevar la historia al cine, sino que traspasa la pantalla con la fuerza de sus imágenes, emociona con su argumento y aprovecha su experiencia para unir todos esos géneros de los que hablaba antes en un mismo film.

La Vida De Pi es el resultado de todos ellos: una película de aventuras donde hay risas, ternura, sufrimiento y donde también hay lágrimas. Además es un claro ejemplo de buen desempeño del 3D, al que probablemente no deberíamos rehuir en esta ocasión tal y como ha sido mi en caso.

Para mí Ang Lee alcanza el punto álgido de su carrera y me quedo con ganas de saber sobre sus futuros proyectos esperando que mantenga el nivel de este peliculón.

Puntuación: 9/10
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Intocable (2011)

Título Original: Intouchables

Después del exitazo que supuso en 2008 el estreno de Bienvenidos Al Norte, el pasado año se volvió a repetir otro hito parecido con Intocable. El film se ha convertido en la segunda película francesa más taquillera y se ha proclamado como el evento cultural de mayor relevancia de 2011 en su país.

La historia está basada en hechos reales y cuenta la relación que llegan a tener un tetrapléjico burgués y su asistente y cuidador, un senegalés que se dedica a vivir de subvenciones y escaquearse de sus obligaciones siempre que puede. No quiero contar mucho más sobre el argumento porque creo que lo peor que le puede pasar a un futuro espectador de la película es ver su tráiler, así que no seguiré el ejemplo del mismo.

La peli ha recibido buenas críticas y la reacción del público es patente, pero a mí me parece que no va más allá de una película correcta. La sinergia que surge entre los dos protagonistas está interpretada a la perfección por los dos actores (Sy le birló el Cesar al multipremiado Jean Dujardin de The Artist) pero no deja de ser una trama algo tramposa.

Las situaciones que se pueden dar entre un tetrapléjico adinerado, respetable, amante de la música clásica, y el descarrilado Driss, un hip-hopero y vividor, nos las podemos imaginar desde el principio. Y por supuesto el final está cantado.

De todas maneras, Intocable es un comedia amarga pero agradable de ver, recomendable más que nada por aquello del "que no me lo cuenten".

Puntuación: 7/10
Intocable en FilmAffinity

Los Niños Del Barrio Rojo (Born Into Brothels) (2004)

Título Original: Born Into Brothels: Calcutta's Red Light Kids

Son varios los proyectos humanitarios que acaban viéndose reflejados en documentales, por muy específicos que sean los planteamientos.

Los Niños Del Barrio Rojo, más que por un trabajo humanitario, nace desde una idea personal. Zana Briski es una fotógrafa y activista que durante su estancia en la India descubre el rechazo que hay hacia los hijos de las prostitutas en Calcuta, una ciudad en la cual viven más de 13 millones de personas a lo largo de su área metropolitana.

Estos niños están destinados a vivir en la mayor de las miserias, sin oportunidades de estudiar ni trabajar fuera del ambiente de la prostitución. Zana decide darle una oportunidad a estos críos mediante un curso de fotografía. Los niños aprenden gracias a la dedicación de su nueva profesora que, mientras ellos lanzan fotografías de su vida cotidiana, intenta por todos los medios que sean aceptados en alguna escuela de la ciudad.

El documental refleja la dura situación de las familias implicadas y sobre todo de unos niños que nunca pierden la sonrisa a pesar de su situación y que están ilusionados ante las posibilidades que se les están brindando.

Es evidente la fuerza que tiene esta historia, aun así, y por poner algún pero, la película cae a veces en la monotonía. Quizás se podría haber tomado otro tipo de decisiones en cuanto al guion, obteniendo un montaje algo más ágil ya que cuesta familiarizarse con los protagonistas hasta bien entrado el metraje.

En cualquier caso, se agradece que personas como Briski nos muestren historias que ocurren día a día sin que nos enteremos. Es muy triste que vivamos situaciones como la actual por permitir la avaricia de políticos y bancos mientras otras personas llegan al mundo con un desastroso futuro marcado por nacer donde lo han hecho, sin tener la más mínima oportunidad ni siquiera de aprender a leer.

Puntuación: 7.5/10
Los Niños Del Barrio Rojo (Born Into Brothels) en FilmAffinity

Tommy (1975)

Este musical rock de los 70 llamó mi atención debido a que recibió un par de nominaciones a los Oscar, incluía canciones como Pinball Wizard y Acid Queen y además contaba con las apariciones de conocidos músicos del nivel de Eric Clapton, Elton John o Tina Turner.

Pero ni siquiera el esmero de estos artistas en sus respectivos números musicales (grande Tina Turner) hace que la película valga la pena ni lo más mínimo. Es la mayor ida de olla que jamás haya visto, porque he podido ver cosas extravagantes pero que han resultado ser decentes, incluso muy buenas, como por ejemplo The Rocky Horror Picture Show (también 1975) o Hedwig And The Angry Inch (2001). Lo hilarante no tiene por qué estar reñido con el buen gusto y la calidad del resultado.

Tommy está basada en la ópera rock de The Who y cuenta la historia de un niño que, tras presenciar cómo su monitor de campamento mata a su padre después de descubrir que su madre está siéndole infiel con él, se queda en estado de shock debido a la presión que ambos ejercen sobre él para que olvide lo que ha visto. Con el paso del tiempo el ahora matrimonio intenta por todos los medios que Tommy recupere sus sentidos.

Dicho así el planteamiento no parece ser tan horroroso como lo acaba siendo. Según transcurre la acción las escenas van perdiendo cada vez más y lo que pretende ser un sueño acaba convirtiéndose en pesadilla.

En conclusión, Tommy es una película totalmente innecesaria que no recomendaría ni a mi peor enemigo.

Puntuación: 2.5/10
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Submarine (2010)

Submarine es uno de esos productos indie que siempre llegan a nuestro país tarde y mal. Estrenada hace poco en las salas españolas, la película se pudo ver fuera de concurso en el festival de Sundance y estuvo nominada al mejor trabajo novel británico en los BAFTA en 2011.

Son varios los riesgos que corrió su director (también actor en la serie The IT Crowd) a la hora de confiar en este proyecto: aparte de la financiación independiente, un guion basado en dos protagonistas marginados por la sociedad, con problemas familiares, y encima representados por dos actores noveles. Aunque ni mucho menos han sido todo complicaciones ya que el reparto adulto está formado por importantes nombres entre los cuales cabe destacar, cómo no, el de la siempre solvente Sally Hawkins. Además cinco canciones originales han sido compuestas e interpretadas por Alex Turner, componente de los Arctic Monkeys y el nombre de Ben Stiller aparece en la lista de productores.

Submarine cuenta la historia de un joven acostumbrado a acaparar las burlas y bromas de sus compañeros de colegio y que acaba enamorándose de Jordana, una chica de su clase que tampoco goza de una gran popularidad. Los problemas que atraviesa el matrimonio de sus padres hacen que su relación con Jordana se resienta y tenga que encontrar la manera de lidiar con ambos problemas.

Las interpretaciones de los dos chavales protagonistas están a la altura del reparto adulto y aportan la fuerza y el humor necesarios para mantener los distintos tonos, tanto cómico como dramático, que se muestran en la película.

Como siempre digo, es una pena que películas de estas características nos lleguen contadas, pero os animo a poder disfrutar de ellas y experimentar con algo nuevo que sirve de refresco a nuestra demasiado comercial cartelera.

Puntuación: 7.5/10
Submarine en FilmAffinity

Lo Imposible (2012)

Título Original: The Impossible

El primer largo de J.A. Bayona, El Orfanato (2007), recordaba mucho a Los Otros (2001), película dirigida por Alejandro Amenábar, joven promesa en su día. Desde entonces en España se ha comparado a ambos directores debido al éxito de la primera película del emergente Bayona y a un macro-proyecto rodado en inglés con estrellas de Hollywood y millones de euros en la producción.

A día de hoy, ese proyecto llamado Lo Imposible ha visto la luz y es la tercera película más taquillera de la historia del cine de nuestro país, la primera con financiación española. Bayona está rompiendo cifras (y aún no ha llegado la temporada de premios) y se merece un reconocimiento propio dejando a un lado las comparaciones.

Lo mejor de Lo Imposible no es sólo que haya reventado las taquillas, más ahora que para poder ir al cine hay que ahorrar antes, sino que encima es una muy buena película. Hacía mucho tiempo que no sentía la angustia y el agobio que me ha producido esta historia basada en hechos reales. Sensaciones que sólo había sufrido hasta ahora en el cine con 127 Horas (2010) y Buried (2010).

El desastre que sufrieron en Tailandia en 2004 debido a un inesperado tsunami queda reflejado en este filme a las mil maravillas, haciendo total partícipe al espectador y sumergiéndolo en esa gigantesca ola que asoló la costa tailandesa en la que esta familia estaba celebrando sus vacaciones navideñas.

Por otra parte tenemos al reparto. Las interpretaciones que ha conseguido el director de todos sus actores son perfectas. Además de la seguridad que da tener la disposición de profesionales como Naomi Watts o Ewan McGregor, haber encontrado a tres niños tan maravillosos ha sido toda una suerte, con especial mención a Tom Holland que se come la pantalla con cada una de sus apariciones.

Sintiéndolo mucho por el topicazo español que Pablo Berger ofrece al mundo con su Blancanieves (2012), me quedo con Lo imposible como el gran estreno español del año.

Puntuación: 8.5/10
Lo Imposible en FilmAffinity

Serpico (1973)

Sidney Lumet proporcionó a Al Pacino uno de los mejores papeles de su carrera, o quizás fue el actor quien regaló una de sus mejores interpretaciones al director. Sea como sea, ambos se complementan en este thriller policíaco que, aunque no sea la mejor película de Lumet, mantiene al espectador en tensión y muestra las dos caras del cuerpo de policía de Nueva York.

Serpico es un poli que aspira a llegar a detective ya que lo que realmente le gusta de su trabajo es estar en la calle y profundizar en sus trabajos. Con el paso del tiempo se va desinteresando de un gremio cada vez más burocratizado y acaba investigando a la mano que le da de comer, descubriendo que una gran parte de sus compañeros son tan corruptos como muchos de los delincuentes que ha tenido que detener en anteriores ocasiones.

Esta manera de actuar le llevará a enemistarse con los demás policías y a obtener mala reputación tanto entre ellos como entre los altos mandos de la Gran Manzana.

El film es un buen thriller que destaca sobre todo por la fuerza de un Pacino en estado de gracia. El actor nos recuerda por qué es hoy en día uno de los intérpretes más respetados, a pesar de que sus actuales trabajos dejen bastante que desear. El toque del director también se palpa lo que hace del resultado una buena peli que no está de más ver en algún momento.

Puntuación: 7/10
Serpico en FilmAffinity

2 Días En Nueva York (2011)

Título Original: 2 Days In New York

No sólo Ben Affleck, muy de moda ahora por el estreno de Argo (2012), es un conocido actor que gusta mucho más por su trabajo tras las cámaras que delante de ellas. La francesa Julie Delpy es otro ejemplo potencial. La actriz y (mejor) directora estrenaba este verano en nuestro país El Skylab, un film de 2011, año en el que también llegó a los cines extranjeros la película que nos ocupa, aunque en España sigamos esperando.

2 Días En Nueva York es la continuación de la muy entretenida 2 Días En París (2007) donde Marion (Delpy) presenta a su novio americano a su familia. En este caso la protagonista ha dejado a su pareja, con la que tuvo un hijo, y ha empezado una nueva relación en la ciudad americana con un compañero de trabajo interpretado a las mil maravillas por Chris Rock.

En la línea de las buenísimas Antes Del Amanecer (1995) y Antes Del Atardecer (2004), la acción transcurre en tan solo 48 horas, con un ritmo trepidante y acentuando esta vez el tono de comedia gracias a esa familia llegada desde París que explota sus defectos a las mil maravillas para hacernos reír en las situaciones más inverosímiles.

Ya lo comenté en su día, pero definitivamente Julie Delpy es la mejor aprendiz del cine de Woody Allen y sus películas son tan agradables de ver como las del mítico director neoyorkino. Esperemos que siga la racha y que de una vez por todas sus estrenos acaben apareciendo en un tiempo razonable en nuestra cartelera.

Puntuación: 8/10
2 Días en Nueva York en FilmAffinity

Mujeres (1939)

Título Original: The Women

Hace un par de años por desgracia tuve la mala idea de ver The Women (2008), la película más truño y más aburrida que he visto en mi vida. ¿Por qué hice eso? Era un remake de un famoso trabajo de George Cukor en el que participaban actrices como Meg Ryan, Eva Mendes o Annette Bening entre otras.

Me he dado un tiempo para olvidar aquel bodrio (la verdad es que no lo he conseguido) y resarcirme con la peli original. Definitivamente esta no es una historia para mí. Cierto es que la versión de Cukor sobre la obra teatral supera con creces a su remake a pesar de que trató hace más de setenta años un tema que ahora mismo puede ser bastante contemporáneo.

Lo mejor del filme es la actuación de cada una de las actrices y la complicidad entre ellas en una película donde no aparece ni un solo hombre. El director utiliza recursos innovadores y le da un tono de comedia que se va perdiendo con el transcurso del metraje, quizás demasiado extenso para lo que se está contando.

Mujeres es una peli que se deja ver, aunque tras la primera hora el desenlace acabe siendo algo pesado y aburrido pudiendo haberse resuelto mucho rápido.

Puntuación: 5.5/10
Mujeres en FilmAffinity

Redención (Tyrannosa​ur) (2011)

Título Original: Tyrannosaur

En los créditos iniciales de Redención deberían advertir al espectador de que el contenido de la película que van a ver puede golpear muy fuerte sus sentimientos y hacer que las tripas se le revuelvan durante gran parte del metraje.

El trabajo que el debutante en la dirección de largos Paddy Considine (también actor) y sus dos actores protagonistas realizan en esta ocasión es merecedor de todas las alabanzas que hayan podido recibir.

Joseph (Mullan) es un viudo enfadado, muy enfadado, que se dedica a apostar y a beber durante gran parte del día. Deambula por la ciudad con una mala leche de cuidado hasta que conoce a una dependienta, Hanna (Colman), que parece ser la persona más buena del mundo y le promete rezar por él, algo que no se plantea nadie más a su alrededor. Joseph siente curiosidad por la Hanna pero no se atreve a conocer todo lo que puede haber detrás de ella.

El desenlace de esta, a primera vista, simple historia de escasos 90 minutos de duración mantiene tus emociones a flor de piel. Y no sólo por los acontecimientos, si no también porque las interpretaciones de ambos protagonistas son tan perfectas como emotivas. Por muy antipáticos que puedan parecer a priori, los dos personajes te capturan y te hacen llevar las manos a la cara en múltiples ocasiones.

En conclusión, Redención consigue lo que debería ser normal en una buena película. Consigue que el espectador se involucre, lo atrapa, lo cautiva y lo deja con ganas de más, de mucho más.

Puntuación: 9/10
Redención (Tyrannosaur) en FilmAffinity

Humpday (2009)

Hace unos meses se entrena en España El Amigo De Mi Hermana (2011) la última película de Lynn Shelton, desconocida como directora en nuestro país, no tanto como intérprete, pero que resultó ser una de las mejores películas del verano.

Debido a que disfruté como un enano con su última película, decidí indagar un poco más en el trabajo de Shelton y llegué a Humpday, también protagonizada por Mark Duplass.

El argumento de la película narra la vuelta de Andrew (Leonard), el mejor amigo de Ben (Duplass) ahora casado con Anna (Delmore). Andrew, es un tipo que se las da de bohemio y en su búsqueda de experiencias que sumen en ello acaba llegando a un acuerdo con Ben durante una fiesta: rodarán juntos una escena de porno gay. Esta decisión hará que la tranquila vida de Ben se tambalee.

Humpday no está a la altura de El Amigo de Mi Hermana, pero está claro que tenía que ocurrir para poder llegar a la calidad de su último trabajo. El estilo de la directora se plasma desde el principio de la película: personajes muy bien definidos, interpretaciones tremendamente naturales y creíbles y un guion bastante ligero.

En conclusión es una peli que se deja ver y de la cual tampoco me arrepiento de haberla visto.

Puntuación: 6.5/10
Humpday en FilmAffinity

Frankenwee​nie (2012)

En la primera mitad de este año Tim Burton llevaba al cine Sombras Tenebrosas (2012), su enésimo trabajo con Johnny Depp como protagonista. La película no resultó ser del agrado ni del público ni de la crítica, pero lo que no sabíamos es que su punto fuerte este curso iba a ser Frankenweenie.

La película está basada en un antiguo corto del propio Burton, sólo que ahora llega al cine como un largo de animación que nos recuerda mucho a Pesadilla Antes De Navidad (1993) y a La Novia Cadáver (2005).

Víctor es un chaval introvertido que está volcado en la ciencia y en su mejor amigo, su perro Sparky. Tras ser atropellado, Sparky pierde la vida en un accidente pero Víctor intentará devolverlo a la vida gracias a sus conocimientos, hecho que desencadenará terribles acontecimientos en su vecindario.

Esta vez Tim Burton ha recobrado su frescura y su toque, muy favorecido por el blanco y negro y por la música, una vez más, de Danny Elfman. El filme resulta muy entretenido para todos los públicos y hace un guiño a las primeras pelis de terror con personajes ambientados en famosos rostros del género, como Boris Karloff.

Éste sí es el Burton que más gusta a sus fans y no el que últimamente parecía apagado y falto de ideas.

Puntuación: 7.5/10
Frankenwennie en FilmAffinity

Cómo Casarse Con Un Millonario (1953)

Marilyn también participó en comedias que adaptaban conocidas obras de teatro de Broadway y este es el caso de Cómo Casarse Con Un Millonario (que también sería adaptada en una serie a raíz del éxito de la película).

 

Solo con su título, la película podría arrancar hoy en día las protestas de todos los sectores feministas, pero es que si alguien se atreviese a hacer un remake o representar la obra original seguramente las reivindicaciones serían mucho mayores debido a su argumento. Si somos objetivos está claro que la imagen de la mujer en la peli queda rebajada a la más pura frivolidad. Ojo, porque esta vez son los hombres los representados como objetos, así que tampoco estamos exentos de sentirnos molestos. Pero aun así, se trata de una ficción, una comedia que en varios momentos resulta bastante divertida y donde no se intenta otra cosa más que hacer pasar un buen rato al espectador, sin ir más allá.

 

Para los que no sepan ni hayan adivinado de que hablo, la peli nos cuenta la "aventura" de tres mujeres que se mudan a un piso muy bien situado en el Nueva York de los 50 para asistir a fiestas, desfiles, etc. con la finalidad de conseguir casarse con tres hombres, cuanto más millonarios mejor. Con esta premisa os dejo a vosotros que decidáis si queréis saber si hay o no moraleja en el film.

 

Desde luego no estamos ante la mejor comedia de la historia, pues el film resulta bastante flojo. El diálogo final es la mejor parte de todo el metraje y quizás gracias a ese buen gusto de boca que deja la última escena no cae en peores derroteros.

 

Una peli más de Marilyn que en esta ocasión no tiene un papel bien explotado y no consigue hacer sombra a la interpretación de Lauren Bacall.

Puntuación: 6/10
Cómo Casarse Con Un Millonario en FilmAffinity

Promises (2001)

No suelo ver muchos trabajos del género documental, aunque sí es cierto que la mayoría de los que he visto me han gustado tanto como para aficionarme más a este tipo de cine.

El caso de Promises se suma a los anteriores, pues es un ejemplo del mejor cine social, ese que te deja hecho una mierda cuando acaba el filme. Este trabajo intenta mostrar lo que el conflicto israelí-palestino supone desde dentro, esta vez desde la mirada de los más jóvenes.

Un grupo de niños, tanto judíos como palestinos, además de unos gemelos israelís seculares son entrevistados por un judío norteamericano que pretende obtener de cada niño su punto de vista respecto a la situación del país en el que viven, ese horrible afán por reconocerlo como su tierra (y sólo suya).

Conocer el punto de vista de gente de entre 10 y 13 años demuestra que la lucha no es moco de pavo. Mientras en occidente a esas edades la máxima preocupación que tenemos es la de que el equipo de fútbol de nuestro colegio gane la liga o de que tal chica sale con tal chico, en los alrededores de Jerusalén estos niños no tienen en mente otra cosa que defender su tierra, las razones que les llevan a ello, y el fuerte odio que sienten hacia la religión rival.

Goldberg, entrevistador y finalmente amigo, intenta hacer ver a los chavales la otra cara de la moneda, convirtiendo el propio documental en una vivencia para sus protagonistas que no podrían haber realizado de no haberse llevado esta película a cabo.

El encuentro final es estremecedor, tanto cinematográfica como socialmente hablando. Pero a día de hoy nos damos cuenta de que trabajos tan maravillosos como este no sirven tanto a sus protagonistas como al resto, a la gente ajena a al problema, pues la situación en Tierra Santa sigue igual o peor hoy en día.

Puntuación: 9/10
Promises en FilmAffinity

La Mejor Juventud (2003)

Título Original: La Meglio Gioventù

Bajo La Mejor Juventud también está englobada Los Años Soñados, la segunda parte de esta mini serie italiana de seis horas de duración que fue premiada en 2003 en el festival de Cannes.

La película narra la vida de una familia italiana desde los años 60 hasta el día de hoy, mostrando un interesante recorrido por la historia del país y cómo se involucra cada uno de los personajes en ella según van trascurriendo los hechos.

La trama está centrada sobre todo en Matteo y Nicola, dos hermanos que están terminando sus estudios y que emprenden un viaje hacia el Cabo Norte que les cambiará la vida al encontrarse con una joven con problemas psíquicos.

A pesar de que las interpretaciones de los actores podrían haber estado mejor, el filme te atrapa y te hace partícipe en cada momento de lo que está ocurriendo. La lucha que emprende la familia por mejorar el destino de Italia, los problemas judiciales de un país demasiado cerrado para la época y sobre todo los cambios en las vidas personales de los protagonistas hacen que este trabajo enganche, ya que combina tanto los mejores elementos de las películas sociales como los de las series familiares.

Puntuación: 8/10
La Mejor Juventud en FilmAffinity

Blancanieves (2012)

Habiendo sido proyectada en los festivales de Toronto y San Sebastián, obteniendo buenísimas críticas y aceptación y siendo seleccionada para representar a España en la próxima edición de los Oscar parecía casi obligatorio asistir al estreno de lo nuevo de Pablo Berger.

Debo reconocer que cuando, hace unos meses, me enteré de que el director estaba preparando una adaptación del cuento de los Grimm, que lo iba a situar en la Sevilla de los años 20, que iba a ser en blanco y negro, muda y para más inri centrada en el mundo del toreo entré en estado de shock inmediato debido al horror que me produjo la  noticia.

 

Después de leer sobre lo buena que estaba pareciendo Blancanieves ("obra maestra atemporal" o algo por el estilo) decidí darle una oportunidad e incluso tenía ganas de verla.

A mi parecer Blancanieves es una película decente, incluso buena podría decir, pero ya. Lo mejor del filme es la dirección, las imágenes que Berger ha creado. El blanco y negro favorece muchísimo a la historia, los personajes están bien definidos, se palpan sus sentimientos en cada momento. Todo eso es genial, pero ¿dónde ha quedado el factor sorpresa?
 

La película se deja ver muy bien, es interesante seguir su trama pero te quedas esperando a que ocurra algo sorprendente, que te deje con la boca abierta y te haga entender todos esos apuntes que has leído sobre ella. Me da la sensación que la mayoría de las palabras positivas que está recibiendo Blancanieves vienen de personas que sufrieron el mismo impacto que yo al conocer de su existencia.
 

No es una película que recomendaría a cualquiera, con lo cual de obra maestra nada de nada y me parece que darle un 7 raspadito es demás. Por cierto, me sigue repugnando sobremanera "la fiesta nacional", quizás demasiado para no influir en mi opinión.
 

Puntuación: 6.5/10

Blancanieves en FilmAffinity

A Roma Con Amor (2012)

Título Original: To Rome With Love

Un año más llega a nuestros cines la postal que Woody Allen nos regala desde la respectiva ciudad europea. Esta vez es Roma, quizás la ciudad que más importancia ha tenido en el resultado final de la película.

De momento va a ser la última ya que, a pesar de los rumores que lo situaban en Múnich o Copenhague para el próximo año, el siguiente lugar de rodaje será San Francisco. No sé si esto ocurre porque Allen se está cansando de que la ciudad sea un protagonista más de la película pero en esta A Roma Con Amor lo parece.

Me ha dado la sensación de que la creatividad del neoyorkino, uno de los más carismáticos y admirados de nuestro tiempo, se dispersa conforme avanza la historia. Es como si se le hubiesen ocurrido cuatro historias que no sabía como entrelazar y la forma haya sido situarlas en la capital italiana.

No obstante el filme lleva claramente su sello, el que distingue a toda su filmografía. Los fans del director van a encontrar chistes, pequeñas situaciones con las que divertirse con su característico humor. Además vuelve el mejor Allen actor, precisamente junto a Benigni con el que tantas veces se le ha comparado.

La peli queda muy lejos de aquella estupenda Match Point (2005) con la que empezara el tour por el viejo continente, pero Woody es Woody y sus fans siempre veremos gustosos su estreno anual, no tanto esperando encontrarnos con una obra maestra, sino con la intención de que nos haga pasar un buen rato como acostumbra a hacer.

Puntuación: 6/10
A Roma Con Amor en FilmAffinity

El Amigo De Mi Hermana (2011)

Título Original: Your Sister's Sister

 

Hacía tiempo que esperaba un guion como el de El Amigo De Mi Hermana en nuestros cines. Es muy triste que estas historias lleguen con tanto retraso a nuestro país y, lo peor, con tan poca repercusión.

 

Tras la muerte de su hermano, Tom no se encuentra en un buen momento. Su mejor amiga Iris y ex pareja del fallecido le recomienda pasar una temporada en una cabaña que tiene su familia en el campo. Al llegar allí, Tom descubre que la casa está habitada por Hannah, la hermana Iris.

 

Con esta sencilla premisa se desarrolla una interesantísima comedia independiente que a través de sus ingeniosos y fluidos diálogos clava una sonrisa en tu rostro que se mantiene durante toda la primera mitad del film. No por sencilla resulta trivial, pues a partir de su segunda parte llega el desenlace con un tono más dramático que consigue nivelar ambos géneros dejándonos con buen gusto de boca al terminar el metraje.

 

El trabajo que realiza el  trío protagonista es uno de los más naturales y más limpios que hemos podido ver desde hace mucho tiempo. Sinceramente, no se me ocurre un elenco en semejante estado de gracia en los últimos tiempos.

 

Con todo esto ni qué decir tiene que la película me ha encantado y que es súper recomendable para todo aquel al que le guste escuchar lo que los demás tienen que decir y poder debatir lo que plantean sus puntos de vista.

Puntuación: 8.5/10
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El Exótico Hotel Marigold (2011)

Título Original: The Best Exotic Marigold Hotel

 

Desde Shakespeare In Love (1998) parece que John Madden ha ido perdiendo fuelle con el paso del tiempo. Nunca un reparto como el que él ha conseguido reunir para esta película ha estado tan desaprovechado.

 

El film narra el encuentro de un grupo de personas de tercera edad que por diferentes circunstancias deciden ir de viaje a la India para dar un cambio de rumbo a sus vidas. Una vez allí cada uno se guiará por sus intereses lo que al final hace que la historia parezca no tener ningún nexo en común.

Ninguna de las andanzas de los protagonistas parece interesante, lo que desgasta el metraje y provoca al espectador un aburrimiento absoluto al terminar la película.

 

Judi Dench, Tom Wilkinson y compañía luchan para darle algo de continuidad e interés al metraje pero ni empeñándose a fondo como lo hacen consiguen despertar el más mínimo interés por las historias que están viviendo. Al menos los intérpretes salvan su trabajo y gracias a ellos no te levantas y te marchas a hacer otras cosas.

 

El Exótico Hotel Marigold es la muestra perfecta del quiero y no puedo... o mejor, del puedo y no quiero.

Puntuación: 5/10
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Sospecha (1941)

Título Original: Suspicion

 

A pesar de ser un genio del cine, sobre todo en el dedicado al suspense, Alfred Hitchcock era conocido en el mundillo por otros temas. Por ejemplo por sus malas relaciones con el reparto que protagonizaba sus películas, en su mayoría impuesto por las productoras involucradas en sus películas y que pocas veces era de su agrado.

 

No obstante, el director confió en un pequeño grupo de intérpretes con los que pudo repetir en más de una ocasión. Todos recordamos la famosa carrera de Cary Grant delante de una avioneta en una carretera perdida entre campos de maíz en Con La Muerte En Los Talones (1959). Esa sería la cuarta y última intervención del galán en una película de Alfred Hitchcock.

 

Sospecha fue la primera película en la que ambos coincidieron y gracias al buen resultado obtenido el director volvería a contar con el protagonista de esta historia en tono de comedia pero que, como es habitual en sus trabajos, no se separa del misterio y la intriga en ningún momento.

 

Quizás esta cinta haya quedado algo eclipsada por otros de sus trabajos con el paso del tiempo pero podría decir que es uno de los filmes más originales que haya visto hasta ahora. La combinación de situaciones divertidas provocadas por el carisma del personaje principal no resta tensión al argumento que en todo momento nos hace dudar de si esa sospecha del título estará justificadamente infundada o no.

 

Una vez más, una obra menos reconocida de lo que se merece y que os recomiendo encarecidamente.

Puntuación: 8.5/10
Sospecha en FilmAffinity

Immortals (2011)

El punto fuerte de Immortals es el visual. Tarsem Singh se ha querido centrar en la imagen y el sonido y dejar un poco de lado la historia, o al menos es el resultado que ha obtenido. No he visto la película en 3D pero no hace falta hacerlo para darte cuenta de que lucirse en ese formato era su finalidad.

El reparto está bien, la trama es entretenida, los efectos especiales son contundentes, pero algo falla en Immortals. El director no aprovecha elementos y personajes que han funcionado en otras ocasiones y que podrían haber dado más de sí en esta, como puede ser el Oráculo, que a veces parece fundamental en el transcurso del film y otras pierde toda su importancia.

Quizás se ha querido abarcar demasiado y sólo centrarse en lo visual, cuando lo que hace falta es un poco de síntesis y sentido en lo que se cuenta. Cuando se rueda una batalla épica hay que dar al espectador todos los "por qué", dejar bien claro qué es lo que hay en juego, y no marear, sobre todo cuando se viaja entre lo humano y lo fantástico.

En conclusión, Immortals sigue los pasos de toda buen película de aventuras, cuenta con una sólida base, elementos potentes como la antigua Grecia y su mitología, y buenos efectos especiales pero no consigue mezclar bien los ingredientes y pasar del entretenimiento justo.

Puntuación: 6/10
Immortals en Filmaffinity

Bus Stop (1956)

Siguiendo con el ciclo por el 50 aniversario de la muerte de Marilyn llego a Bus Stop, quizás una de las películas menos conocidas de la mítica actriz... y no es de extrañar.

La cinta cuenta la salida de un vaquero criado en la América profunda hacia la ciudad para participar en un rodeo. Aprovechando la oportunidad, el joven decide buscar a su ángel, una chica perfecta con la que poder casarse y vivir en el rancho.

El cowboy interpretado por Don Murray es uno de los peores personajes que jamás haya podido ver en el cine. No sé si por su interpretación o porque realmente está escrito así en el guion pero algunas situaciones provocadas por él te dan ganas de levantarte del sofá, coger el televisor y lanzarlo violentamente por la ventana.

Una vez más es la Monroe la que anima el cotarro, aunque sea esta una de las interpretaciones más dramáticas (menos cómicas) de su carrera. A pesar de que aquí no resulte muy complicado teniendo a semejante partenaire compartiendo protagonismo.

Esta peli debería pasar inadvertida en la filmografía de cualquiera de sus participantes pues se cae en la tontería durante gran parte del metraje pese al intento de corregir el resultado en sus últimos minutos.

Puntuación: 5/10
Bus Stop en FilmAffinity

Brave (Indomable) (2012)

Título Original: Brave (The Bear And The Bow)

 

Cada año tengo dos citas ineludibles con las salas de cine. Una suele llegar normalmente en septiembre con el estreno de lo nuevo de Woody Allen, pero hay otra anterior y es para ver lo nuevo de Pixar.

 

Este año los estudios de animación muestran la historia de una princesa escocesa que lucha por cambiar su destino. La novedad es que han elegido a una heroína para protagonizar su nueva película, aunque se centran en un típico tópico que está más que trillado a estas alturas.

 

Para afrontar esta elección en el argumento, ponen sus mejores armas sobre la mesa y consiguen un resultado más que notable ofreciendo un film de aventuras muy entretenido y que engancha desde sus primeros minutos. Ni qué decir tiene que la animación es mejor trabajo tras trabajo.

 

Después de tres años consecutivos soberbios con Wall·E (2008), Up (2009) y Toy Story 3 (2010) podríamos pensar que Pixar está levantando un poco el pie del acelerador pero, seamos razonables, es muy complicado mantener el nivel año tras año con una nueva obra maestra. Y no quiero que parezca lo contrario, Brave (Indomable) cumple su cometido y está por encima de la media de las películas de animación que el resto de estudios nos ofrecen, aunque sea el producto más Disney de la franquicia.

 

Por cierto, no lleguéis tarde al cine porque el corto La Luna (2011) que se proyecta antes de la película vale muchísimo la pena.

Puntuación: 8/10
Brave (Indomable) en FilmAffinity

El Skylab (2011)

Título Original: Le Skylab

Desde que la descubrí en Antes Del Amanecer (1995) como actriz siempre he intentado seguir el trabajo de Julie Delpy en películas pequeñas, pues me parece que se le dan mejor que las grandes producciones.

Este interés me llevó a la magnífica 2 Días En París (2007), su debut como directora en el largo, además de firmar muchas otras facetas como el guion, música e interpretación. La película recordaba a la pareja de Antes Del Amanecer y Antes Del Atardecer (2004) pero se dirigía más hacia la comedia.

En El Skylab, su última película como directora, Delpy recurre de nuevo a este género y centra la acción en una reunión familiar en la Bretaña francesa de los años 70. En esa casa de campo podemos ver las distintas personalidades de los familiares, distintos puntos de vista políticos, comportamientos, afinidades, etc. Aunque no lo parezca, un fin de semana puede dar para mucho y más en una familia formada por más de 15 miembros y en la época en la que se centra: juegos de niños, discusiones políticas entre los adultos y buenos recuerdos de los más mayores son el mayor punto de interés del metraje.

He escuchado comparaciones que dicen que Delpy es la directora que más se acerca al propio Woody Allen y es verdad que sus películas tienen un estilo muy parecido a algunos films del neoyorkino.

Sea cierta esta afirmación o no, lo que sí que puedo decir es que El Skylab es una comedia agradable y que incita a continuar siguiendo los pasos de la francesa.

Puntuación: 7/10
El Skylab en FilmAffinity

Modern Family - Temporada 1 (2009)

Modern Family apareció en pleno apogeo de la televisión en cuanto a series se refiere. Títulos como Glee, Big Bang Theory o Cómo Conocí A Vuestra A Madre reinaban en sus respectivas franjas horarias y sumaban fans a tutiplén.

Con esta situación puede parecer arriesgado salir al mercado con un producto de este estilo: una comedia con capítulos de veinte minutos que centra su trama en la relación entre unos familiares algo peculiares. Más aun si tenemos en cuenta la retirada de antena de la genial Arrested Development tres años antes.

Sin llegar a ser tan surrealista e hilarante como Arrested Development, Modern Family saltó a la parrilla con una gran fuerza gracias a sus personajes frescos, divertidas situaciones cotidianas y mezcla de topicazos americanos. Quien no arriesga no gana.

Basta con decir que en estos últimos días los actores han ganado un pleito con Fox para conseguir sueldos más abultados aprovechando que pueden ejercer presión sobre los mandamases gracias al éxito rotundo que están teniendo, por mucho que aleguen que los contratos que ellos mismos firmaron no son del todo reglamentarios.

Su éxito es justificado. Personajes como Phil, Cam o Gloria hacen que te rías con ellos al menos una vez por capítulo, sin desmerecer al resto del elenco y teniendo en cuenta que todos los niños que participan son mejores cómicos que muchos de los que se pasean por Hollywood.

Puntuación: 8.5/10
Modern Family en Filmaffinity

Little Voice (1998)

Esta película británica está basada en la obra de teatro The Rise And Fall Of Little Voice en la que Sam Mendes dirigió a la propia Jane Horrocks, también protagonista en la versión cinematográfica.

LV es una jovencita que vive con su madre y que quedó marcada por la muerte de su padre, al cual no puede olvidar y del que heredó el amor por la música de exitosas cantantes como Shirley Bassey, Judy Garland o Marylin Monroe y a las que ha aprendido a imitar debido a la cantidad de horas que pasa encerrada en su habitación escuchándolas en su tocadiscos.

Seguramente ver esta historia sobre las tablas tiene que impresionar mucho más gracias al directo de las canciones que canta la protagonista. Poder escuchar las distintas voces de leyendas de la música saliendo de unas mismas cuerdas vocales debe ser emocionante, pero ver esto detrás de la pantalla pierde un poco el mérito, su originalidad.

En este caso lo que impresiona es la actuación de Brenda Blethyn. La actriz inglesa borda el papel de una histriónica cuarentona que no quiere perder su atractivo y se dedica a intentar cazar al hombre de su vida, sin importarle cómo se siente su introvertida hija.

Aprovechando su título, podemos decir que Little Voice se queda en una pequeña película, pero que nos regala grandes canciones y la soberbia actuación de Blethyn.

Puntuación: 6/10
Little Voice en FilmAffinity

La Mitad De Óscar (2010)

Debido a la baja calidad del cine español que se proyecta en las salas desde hace unos meses (no quiero utilizar la palabra años) he estado en búsqueda de esa pequeña joya, como lo fue Remake (2006) por ejemplo, que me haga retractarme de la opinión que tengo últimamente sobre nuestro cine.

Llevaba tiempo con el punto de mira puesto en La Mitad De Óscar, pues confiaba en que intérpretes como Verónica Echegui o Antonio De La Torre no fueran a participar en un proyecto cualquiera. Sin ir más lejos lo mejor de esta película es la participación de De La Torre.

El film de Martín Cuenca cuenta una pequeña e interesante historia, el rencuentro de dos hermanos provocado por los últimos días de vida de su abuelo. El tema es que esa historia hubiese sido más propia de un corto que de un largometraje. No vale con mostrar bonitas imágenes, paseos por la playa y largos silencios si no aportan nada a la historia. La causa del sufrimiento que aborda al protagonista está más que clara desde el momento en que la trama empieza a tener un poco de acción.

Juro que siempre he defendido y defenderé al cine español pero me da la sensación de que nuestros directores están perdiendo el rumbo. Antes podían tener entre sus manos un sencillo guión y plasmarlo en una buena película. La ideas de las que parten Mi Vida Sin Mí (2003) o En La Ciudad (2003) no son mucho más complejas que las de La Mitad De Óscar, pero están mucho mejor desarrolladas que ésta.

Es una pena porque pintaba bien, pero no puedo darle más que un aprobado. De todas maneras no pierdo la esperanza, seguiré buscando esa historia que me interese, que me emocione y que ha quedado demostrado en varias ocasiones que sólo sabemos hacer en nuestro país.

Puntuación: 5/10
La Mitad De Óscar en FilmAffinity

El Caballero Oscuro: La Leyenda Renace (2012)

Título Original: The Dark Knight Rises

Christopher Nolan, que es un tipo listo, ha seguido en la línea de las anteriores entregas de El Caballero Oscuro en esta tercera parte, la que se supone que también es la última de la saga que empezara en 2005 con Batman Begins.

Cuando se tiene el favor de la crítica y el público ¿por qué cambiar lo que funciona? El Caballero Oscuro (2008) batió records de taquilla, se llevó dos Oscar (uno de ellos para el malogrado Heath Ledger, uno de los mejores malos de la historia del cine con su Joker) y consagró al director que ya había demostrado no sólo de Batman se vive.

En esta última película, el director cuenta con los personajes fijos e introduce algunos nuevos como es habitual en estas superproducciones basadas en cómics de éxito. De hecho uno de los alicientes que da más resultado es la Catwoman de Anne Hathaway que impresiona con su variedad de registros y hace disfrutar de cada segundo que está en pantalla.

El Caballero Oscuro: La Leyenda Renace acaba de consagrar a Nolan (ya se habla de su presencia en la ceremonia de los Oscar 2013) en el thriller. Cada vez son más característicos los toques de ciencia ficción y finales abiertos que tan bien se le da utilizar en sus films, ya sea en un producto pequeño como Memento (2000) o grandes producciones como Origen (2010).

Aunque sea bastante larga y poco arriesgada, esta sentencia a la palomitera saga Batman es entretenimiento en esta puro.

Puntuación: 8/10
El Caballero Oscuro: La Leyeneda Renace en FilmAffinity

Psicosis (1960)

Título Original: Psycho

Quizá Psicosis sea el clásico de suspense por antonomasia, y con total merecimiento.

La famosa escena de la ducha es una de las más recordadas de la historia del cine y que posiblemente haya visto todo el mundo. Pero por favor, los que no la hayáis visto no paséis de ahí, evitad spoilers tanto como podáis.

Yo he cometido el error de verla conociendo el final y es un error muy grave, aun así me ha parecido una muy buena película que me ha tenido en tensión la mayor parte del tiempo. Desde que el personaje de Janet Leigh (espléndida) deja Phoenix hasta que se resuelve el misterio.

Poco puedo añadir sobre el trabajo de Hitchcock ya que a lo largo del año he escrito varias opiniones sobre películas del director. ¿Es Psicosis su obra maestra? No podría responder a la pregunta ya que todavía me queda mucho por ver. Por gustos personales no es mi Hitchcock favorito, pero no puedo quitar ningún mérito al entramado que desarrolló el director en esta ocasión.

No creo que ninguna otra persona sea capaz de conseguir los sentimientos que surgen en el espectador con esta peli. Desde los primeros diez minutos estás tenso, no sabes qué va a pasar, pero lo mejor es que puedes odiar a los buenos y estar de parte de los malos. Y gran parte del ese éxito que obtiene lo consigue también la grandísima música de Bernard Herrmann.

Psicosis va a seguir siendo una obra maestra del suspense porque nunca va a pasar de moda. Los hijos de los hijos de nuestros hijos, esos que conducirán coches voladores y vestirán escafandras, verán Psicosis y se morderán las uñas como los que lo hicieron hace 52 años el día de su estreno.

Puntuación: 8.5/10
Psicosis en FilmAffinity

JCVD (J.C.V.D.) (2008)

Las iniciales de Jean-Claude Van Damme, uno de los actores más taquilleros de la historia del cine de acción, dan título a esta sorpresiva película belga que centra la acción en la admiración que sienten los habitantes del pequeño país hacia su estrella, aun cuando no es ni de cerca el mejor momento del actor.

El film mezcla el cariño que tienen sus paisanos por él con los problemas que Van Damme tuvo en cierto momento de su carrera: a la mala elección de sus papeles se le sumaban problemas con la cocaína o la policía al ser detenido por conducir borracho. Sin ir más lejos, la primera escena de la peli ya se mofa del momento que vive Van Damme a sus casi cincuenta años teniendo que lidiar con directores y agentes que ya no le toman en serio.

No obstante el actor aprovecha los momentos más dramáticos que se le brindan a lo largo del metraje para pedir perdón y dar explicaciones a un público que un día lo llevó a lo más alto, incluso pese a la baja calidad de sus películas.

No hace falta haber sido un súper fan del karateca belga para que nos guste JCVD ya que en ella encontramos entretenimiento en todas sus formas. Tanto el director como el actor juegan muy bien sus cartas no sin arriesgar. Uno cuenta con una estrella reconocida para su película y el otro se encuentra con un lavado de cara que al parecer no le ha dado mal resultado. Acción, drama e incluso comedia hacen que pasemos una buena hora y media viendo JCVD a pesar de que parezca que va a ocurrir lo contrario.

Puntuación: 7/10
JCVD (J.C.V.D.) en FilmAffinity

Spartacus: Venganza (2012)

Título original: Spartacus: Vengeance

La segunda temporada de Spartacus (recordar que Spartacus: Dioses De La Arena (2011) fue una precuela) introduce a Liam McIntyre en el papel principal sustituyendo al tristemente fallecido Andy Whitfield. No es tarea fácil para McIntyre que, además de intentar ser un convincente Spartacus, tiene que demostrar al público que puede estar a la altura y hacernos olvidar al magnífico gladiador que nos regaló Andy.

El protagonista no es el único personaje que cambia de cara, así que si para el espectador habitual de la serie no es fácil acostumbrarse a un nuevo rostro, imaginaos si son varios. De todas formas el equipo de Spartacus conoce muy bien el problema con el que cuentan y preparan al público mediante flashbacks (no del todo gratuitos) para que nos vayamos habituando al nuevo elenco.

En lo que al argumento se refiere, esta nueva parte de la serie deja un poco de lado la Arena y se centra, como se adivina de su propio título, en la venganza de los esclavos de Capua sobre la gente de Roma, partiendo desde el final de Spartacus: Sangre Y Arena (2010).

Este nuevo punto de vista resulta al menos curioso ya que el cambio en la trama nos muestra a los protagonistas en otros escenarios y situaciones a los que estamos acostumbrados a verles. Eso sí, los complots y sorpresas de las que presume la serie mantienen la tensión de las dos temporadas previas.

Quizás el cambio de registro afecte un poco a esta tercera entrega pero en conjunto la serie se sigue sosteniendo a pesar de las piruetas que ha sufrido la historia debido a los continuos contratiempos en el reparto.

Puntuación: 7/10
Spartacus: Venganza en FilmAffinity

Moonrise Kingdom (2012)

Ir al cine a ver una película de Wes Anderson es toda una incógnita, al menos para mí. Digo esto porque no sé si esta vez voy a saber interpretar su humor, o mejor dicho si me va a gustar cómo lo ha utilizado.

He disfruto muchísimo con películas como Fantástico Sr. Fox (2009) o Los Tenenbaums, Una Familia de Genios (2001) pero otras veces el señor Anderson me ha ayudado a dormir largas siestas, como me ocurrió con Life Aquatic (2004).

Los dos niños protagonistas del film se salen y hacen que te sientas a gusto con ellos, que disfrutes de su inocencia y te quedas enganchado a la aventura que están viviendo. Normalmente las historias que tratan sobre niños problemáticos tienden a ser demasiado dramáticas, lacrimógenas, pero en Moonrise Kingdom no puedes borrar la sonrisa de tus labios. Los pequeños detalles con los que se juega como el tocadiscos o los prismáticos de la niña no paran de recordarnos que nosotros hemos sido como ellos, que alguna vez también nos hemos sentido así.

El director consigue esto siendo fiel a su estilo propio. Su manera de rodar, personajes excéntricos, tono colorista... todo un conjunto de cosas que en este caso juega muy a favor del argumento de la película. Como también lo hacen los personajes secundarios.

El grupo de scouts está a la altura de la pareja principal, Bill Murray y Jason Schwartzman siguen en su salsa, pero es muy de agradecer ver cómo actores de la talla de Bruce Willis, Frances McDormand, Edward Norton y Tilda Swinton han sabido entrar en el juego e interpretar a la perfección sus papeles.

En fin, he disfrutado tanto con Moonrise Kingdom que incluso me apetece volver a probar suerte con Life Aquatic.

Puntuación: 8/10
Moonrise Kingdom en FilmAffinity

Hunger (2008)

Este invierno Steve McQueen como director y Michael Fassbender como actor hicieron llegar a los cines la perturbadora Shame (2011).

Después de haber visto este éxito de McQueen me he interesado por su trabajo y he llegado a Hunger, su primer largometraje donde también tuvo la suerte de poder contar con Fassbender para su papel principal.

La película, no estrenada en España, centra su historia en un hecho real: la huelga de "no limpieza" que realizaron los presos del IRA irlandés en 1981 en la prisión de Maze y que acabaría por convertirse en huelga de hambre.

La sensibilidad que consigue en su reparto, la brutalidad de las imágenes y los largos silencios recogidos por la cámara de McQueen demuestran esa faceta de diseñador y escultor que le dio reconocimiento en el mundo artístico antes de llegar al cine. Por otro lado también queda demostrado que el buen hacer de Fassbender no es cuestión de moda, si no que ya desde sus primeros papeles importantes demostró que sabe cómo meterse en el personaje, estar contenido cuando lo tiene que estar y explotar cuando tiene que hacerlo.

En líneas generales Hunger es una buena película, una nueva manera de contar la otra cara de un conflicto aunque las maneras de McQueen no son aptas para todos los públicos, ya sea hablando de edades o de gustos.

Puntuación: 7/10
Hunger en FilmAffinity

Funny Girl (1968)

Gracias a su Fanny Brice, Barbra Streisand probó el dulce sabor de ganar un Oscar (ex-aequo con Katharine Hepburn) por su interpretación en Funny Girl.

No le han faltado ganas a la actriz de repetir y ha luchado por hacerse notar también en otras facetas como las de directora y compositora (conseguiría su segundo Oscar por la canción "A Star Is Born" en 1976).

Funny Girl es la historia de una chica de barrio que triunfa en el mundo del espectáculo gracias a sus dotes para la comedia musical, pero que es capaz de sacrificar todo su éxito por amor. Fanny es una mujer fuerte que olvida todo cuando se sube al escenario pero que se muestra sensible al conocer a un ludópata de profesión del que se enamorará y quedará totalmente enganchada.

Es cierto que la Streisand está en su salsa en este papel. Su interpretación es contenida en los momentos dramáticos y divertida cuando muestra su vis más cómica. Sin embargo parece que  William Wyler tiene un problema de síntesis y no es capaz de contar sus historias en menos de dos horas (en esta ocasión hay que reservar dos horas y media).

De todas maneras esto último se puede soportar ya que números musicales tan reconocibles como "People" o "Don't Rain On My Parade" son un atractivo que se suma a un buen argumento para acabar viendo la película.

Puntuación: 7/10
Funny Girl en FilmAffinity

Los Caballeros Las Prefieren Rubias (1953)

Título Original: Gentlemen Prefer Blondes

Los Caballeros Las Prefieren Rubias es una de las comedias musicales más conocidas y aclamadas de todos los tiempos y uno de los primeros papeles principales para Marilyn Monroe.

Este film es uno de esos que no pierden su frescura ni el sentido del humor con el paso del tiempo y en el que vemos a una Marilyn en pleno esplendor, explotando al máximo su personaje y perfectamente acompañada por una genial Jane Russell, desconocida para mí hasta el momento y gran descubrimiento.

La película cuenta la historia de dos amigas totalmente diferentes que se ganan la vida cantando en diversos espectáculos. Una de ellas es más bien inocente y lo que más aprecia en los hombres es su fortuna pero la otra es la chica dura, de las que sólo busca el amor sin importarle demasiado ni el dinero ni el físico... bueno, podríamos decir que prefiere el físico al dinero.

Ambas emprenden un viaje desde Estados Unidos hacia París donde conocerán desde al equipo olímpico estadounidense hasta uno de los más importantes hombres en el negocio del diamante. Este viaje deparará diferentes y divertidas situaciones gracias a las tan distintas personalidades del dúo.

Las dos actrices lucen dotes interpretativas, están perfectas en sus respectivos papeles y además nos ofrecen divertidos números musicales, incluido el inolvidable "Diamonds are a girl's best friend".

Como he dicho antes, Los Caballeros Las Prefieren Rubias es una comedia atemporal que gusta incluso sesenta años después de su estreno y que no hace más que reiterar el gran mito que fue la Monroe.

Puntuación: 8/10
Los Caballeros Las Prefieren Rubias en FilmAffinity

American Horror Story (2011)

Si no tengo en cuenta The Walking Dead (2010) por ubicarse más en el terreno de los zombies, nunca había visto una serie de terror antes de American Horror Story. Bueno sí, alguna que otra española que, aunque no fuera su intención, ponía los pelos de punta.

Me llamó bastante la atención ver cómo se podía llevar a cabo una historia de miedo durante varios capítulos y con los mismos personajes. La premisa es bastante típica: una familia que no atraviesa su mejor momento decide mudarse a una casa en la que resulta que ha pasado algo muy gordo antes de su llegada.

La finalidad de la serie, o al menos de esta temporada, es ir conociendo cuales fueron los hechos que conviertieron a la casa en tan especial y claro, para ello sus nuevos habitantes van a tener que sufrir las más grandes perrerías que os podáis imaginar.

American Horror Story no es una mala serie pero, como se preveía, necesita estar introduciendo constantemente nuevas tramas para alargar la tensión e intentar que el espectador no pierda interés por el misterio creado desde el primer capítulo. Tal es el número de historias que desembocan en la principal que al final el conjunto acaba por marear en vez de centrarse en lo realmente importante.

Finalmente parece que este tipo de inventos no son lo mío. Aún así ha sido un gustazo poder ver a la maravillosa Jessica Lange soltando perlas como "A ver si te voy a tener que matar de nuevo". Su interpretación sí que te deja con los pelos de punta.

Puntuación: 5.5/10
American Horror Story en FilmAffinity